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Cet ouvrage, dans le prolongement de l'exposition et du colloque qui l'accompagne, permet de cerner au plus près une intuition forte de Kandinsky : la synthèse des arts. Le peintre pressent en effet une union organique entre ces trois arts majeurs que sont la peinture, la poésie et la musique. Son album Résonances (Klänge), réalisé en 1913, et dont le présent livre reproduit les gravures originales ou les fac-similés, en fait la puissante démonstration : Kandinsky y met ses poèmes, qu'ils expriment les tréfonds de sa vie intérieure ou les réalités du monde extérieur, en relation avec son inspiration picturale, nourrie pour une bonne part, à cette époque, de thèmes bibliques et apocalyptiques. Manier la plume ou le pinceau sont les tenants d'une seule et même quête spirituelle. Poèmes et tableaux se répondent dans ces pages où il y a autant à lire qu'à regarder. Les contributions collectées soulignent, dans leurs approches respectives, combien Kandinsky inlassablement poursuit ses recherches vers l'abstraction. Dans le contexte très chahuté au début des années 1910, l'art paraît une réponse, une voie possible face au drame de la condition humaine.
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Maître incontesté du Siècle d'or néerlandais, Rembrandt (1606-1669) a profondément marqué l'art occidental par sa peinture et sa gravure. Ce scrutateur infatigable de l'âme humaine doublé d'un technicien de génie a su, grâce à son inimitable clair-obscur, insuffler force, mystère et profondeur à ses portraits, scènes bibliques ou historiques.
Cet ouvrage vous invite à découvrir l'oeuvre prolifique de ce virtuose de la lumière, emblème éclatant du baroque.
La vie de Rembrandt est à l'image de la technique picturale qui a fait sa célébrité.
Claire d'abord : ce fils de grands bourgeois délaisse rapidement ses études de philosophie pour se consacrer à la peinture et à l'eau-forte ; s'installant bien vite dans un atelier avec son ami Jan Lievens, multipliant les élèves, il est repéré rapidement par un riche négociant d'art, Hendrick van Uylenburgh, qui lui présente sa future femme, Saskia. A cette époque, les commandes croulent et le ménage vit dans l'aisance.
Obscure ensuite : après la mort de trois de ses enfants, Saskia est elle-même emportée par la phtisie, alors que La Ronde de nuit reçoit un accueil froid de la part des commanditaires. D'année en année, ses dettes s'accumulent, ses concubinages successifs avec ses servantes lui valent le blâme des bourgeois et de l'Église ainsi qu'un procès.
Son génie et son succès artistique ne se sont quant à eux toutefois jamais affaiblis. On célèbre ses portraits (collectifs, comme La Ronde de nuit, Leçon d'anatomie du docteur Tulp ; intimes, comme ses autoportraits) comme ses scènes bibliques (Bethsabée au bain tenant la lettre de David) pour leurs jeux de contraste qui attire le regard, pour l'humanité qui en ressort.
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Cet ouvrage sur l'âge d'or danois est une invitation à découvrir un courant pictural singulier et attachant, sans équivalent alors en Europe. Plus de deux cents oeuvres de peintres phares - comme Eckersberg, Købke, ou Rørbye - illustrent cette période artistique florissante comprise entre 1801 et 1864. Si leurs tableaux témoignent de l'identité politique, économique et culturelle du Danemark au XIXe siècle, ils se distinguent aussi par leurs sujets intimes : réunions familiales, modestes coins de nature, artistes dans leurs ateliers ou en voyage...
À la lumière des recherches effectuées au cours des dernières décennies, cette synthèse inédite propose un nouvel éclairage sur l'âge d'or de la peinture danoise.
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Connaissance des arts Hors-Série : Manet/Degas
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 5 Avril 2023
- 9782758011736
Cette exposition confronte l'oeuvre de 2 monstres sacrés du XIXe siècle : Edouard Manet (1832-1883) et Edgar Degas (1834-1917). Précurseur de la peinture moderne, qu'il affranchit de l'académisme, Manet est considéré à tort comme un impressionniste : il s'en distingue par une facture soucieuse du réel qui n'utilise pas ou peu les nouvelles techniques de la couleur et le traitement particulier de la lumière. Il s'en rapproche cependant par certains thèmes récurrents comme les portraits, les paysages marins, la vie parisienne ou encore les natures mortes. Degas, est un des membres fondateurs du groupe des impressionnistes. Cependant son oeuvre est si variée par ses thèmes et sa pratique qu'il ne les rejoint pas dans leurs traits les plus connus... Manet et Degas se sont rencontrés au Louvre en 1862.
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Les créations de Jeff Koons (né en 1955) sont à la fois immédiatement accessibles et très éloquentes du point de vue de l'histoire de l'art. De l'aquarium pour ballons de basket aux chiots-fleurs, son travail éminemment reconnaissable flirte avec un imaginaire trivial tout en intégrant les références culturelles du surréalisme et du pop art.
L'oeuvre de Koons procure un certain plaisir visuel, mais se savoure aussi dans sa propension à susciter la polémique. L'artiste s'est autant fait connaître par ses sculptures de lapins en acier inoxydable que pour sa statue dérangeante de Michael Jackson et ses séries de photos érotiques de son ex-épouse, Cicciolina. Résultat: un statut de méga-artiste. Maître incontestable de la culture visuelle contemporaine, Koons est salué par les collectionneurs d'art et les institutions autant que par le public.
À travers les créations majeures de Koons accompagnées de textes courts signés par Katy Siegel, Hans Werner Holzwarth et Eckhard Schneider, ce livre offre en un clin d'oeil un panorama de l'oeuvre complet de Koons et présente l'univers de ce géant de l'art mondial, depuis ses premières fleurs gonflables à ses réalisations les plus récentes. -
L'affiche concoctée par Toulouse-Lautrec (1964-1901) pour vanter les plaisirs du Moulin Rouge est sûrement celle qui est restée la plus emblématique du célèbre cabaret, dont le dessinateur était un grand habitué.
Pilier du cercle des artistes bohèmes de la fin du XIXe siècle, on reconnaissait facilement la petite silhouette de Toulouse-Lautrec sillonner dans les rues et cafés de Montmartre; il aimait se déguiser au grand bonheur de ses amis photographes et l'exhibition était une de ses provocations favorites.
Ses toiles sont ainsi les témoins des scènes de la vie des artistes de l'époque : au bal, au spectacle ou au fond des cafés. On garde aussi de lui de nombreux et touchants portraits de femmes, la plupart des prostituées, dont il vantait la qualité de modèle, dans leur vie quotidienne.
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Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo): belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.
S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des «Cent vues célèbres d'Edo» (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.
Cette réédition a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de «japonisme», qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler. -
La figure du paysan de Courbet à van Gogh : ceux de la Terre
Collectif
- Silvana
- 23 Août 2022
- 9788836652266
Ceux de la Terre. Auteur Foudral Benjamin, nombre de pages 200, prix 27€ Résumé : Du portrait brutal et cru d'un monde paysan en proie aux passions les plus violentes, dressé par l'écrivain Émile Zola (1840-1902) dans La Terre (1887), à la vision lyrique et héroïque des « gens de la terre » du recueil de nouvelles Ceux de la glèbe (1889) du Belge Camille Lemonnier (1844-1913), les campagnes contemporaines sont l'objet dans la seconde moitié du XIXe siècle de projections idéologiques les plus diverses, qu'elles soient nostalgiques, conservatrices, socialistes, progressistes ou purement esthétiques.
Avec l'émergence du réalisme et de ses deux figures principales, Gustave Courbet (1819-1877) et Jean-François Millet (1814-1875), peintres aux origines rurales, la thématique paysanne dans le champ des beaux-arts se renouvelle et devient un véritable phénomène à l'échelle européenne, transcendant bientôt les mouvements. Réalistes, naturalistes, symbolistes, modernes ou anti-modernes, tous se mettent en quête de la mise en image du paysan, nouvelle figure centrale de la société contemporaine.
Au travers de plus de 80 oeuvres, l'exposition Ceux de la Terre vise à appréhender l'émergence de ce phénomène culturel, tout en approchant l'intention et le regard propre de chaque artiste derrière l'élaboration du monde rural comme sujet pictural. -
L'âge d'or de la peinture anglaise : de Reynolds à Turner
Collectif
- Reunion des musees nationaux
- 11 Septembre 2019
- 9782711874347
Les années 1760, au début du règne de George III, ont marqué un tournant pour l'art britannique, avec l'ascension triomphante de Joshua Reynolds (1723-1792) et de Thomas Gainsborough (1727-1788), ainsi que la fondation, en 1768, de la Royal Academy of Arts. Reconnus comme les maîtres du portrait, Reynolds et Gainsborough ont rivalisé pour élever le genre à des niveaux d'innovation visuelle et intellectuelle inédits.
Ces deux artistes ont redéfini l'art britannique et ont hissé toute une génération vers de nouveaux sommets en réinventant les règles et les conventions de la peinture sur des thèmes récurrents comme la lignée, la famille et le foyer dans les portraits, la peinture de genre et d'histoire, le paysage... Les artistes britanniques ont fait également évoluer la figuration narrative pour tendre vers le sublime.
Les travaux d'Henry Fuseli, de John Martin et de Philippe Jacques de Loutherbourg, ainsi que l'oeuvre de Joseph Mallord William Turner, ont ouvert la voie à une nouvelle conception de l'art comme support de l'imaginaire. Soutenue par le roi, mais aussi et surtout par les acteurs du commerce et de l'industrie, la peinture britannique s'épanouissait dans une diversité de styles, qui fut alors perçue par les contemporains comme le signe d'un âge d'or artistique.
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La peinture de la Renaissance italienne
Collectif
- Place des victoires
- 12 Septembre 2019
- 9782809916812
L'Italie, à la renaissance, n'est pas unifiée. Les princes ou les familles dirigeantes rivalisent de grandeur et de richesse. Toutes les oeuvres et les grands chantiers ne sont érigés que dans un seul but, montrer la grandeur et la magnificience des mécènes. Les artistes toscans tiennent le rôle de modèles, mais dès le XIVe siècle, chaque centre artistique possède sa propre spécificité régionale. La peinture florentine favorise le dessin, la peinture vénitienne la couleur et Rome prend au début du XVIe, une grande importance avec le mécénat pontifical et princier. L'artiste de la Renaissance occupe plusieurs fonctions à la fois: peintre, sculpteur, orfèvre, théoricien, architecte, savant ou encore poète. Ce fût le cas de Léonard de Vinci, Michel-Ange, Verrocchio...
Divisé par thèmes et par lieux, cet ouvrage permet de suivre l'évolution de la sculpture puis de la peinture à Florence et en Toscane, en Italie du Nord, puis en Italie du Centre et du Sud - ce qui correspond aux partitions politiques de cette époque.
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Connaissance des arts Hors-Série n.992 : Frida Kahlo : au-delà des apparences
Collectif
- Connaissance des arts
- Connaissance Des Arts
- 14 Septembre 2022
- 9782758011194
La garde-robe de Frida Kahlo. Palais Galliera.
L'artiste mexicaine Frida Kahlo fascine, par son art et par sa personnalité. Ce hors-série s'attache, en lien avec l'exposition présentée au musée Galliera, à la garde-robe de l'artiste, manifeste de la mexicanité autant que sa peinture. -
Zao Wou-Ki ; catalogue raisonné des peintures Tome 1 : 1935-1958
Collectif
- Flammarion
- Beaux Livres Flammarion
- 4 Décembre 2019
- 9782081492837
Avec un essai de Dominique de Villepin
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La peinture ; du néoclassicisme à l'art pompier, de 1750 à 1880
Collectif
- Place des victoires
- 12 Décembre 2019
- 9782809915440
Le néoclassicisme se caractérise par un retour à l'esthétique et aux valeurs antiques. Au XIXe, le système académique mis en place par Louis XIV continue à maoeuvrer l'art. Cette esthétique dominante, où l'exactitude doit suivre à la profusion de détails et à une immense richesse de palette, lui valut très tôt le qualificatif péjoratif de « pompier ».
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En présentant un ensemble d'oeuvres d'importance de Gustave Courbet (principalement issues des collections de l'Institut Gustave et du Musée Courbet d'Ornans) et d'autres artistes du XIXe - collaborateurs ou amis de Courbet - ayant abordé pleinement la nature et le paysage au coeur de leurs démarches, ce livre traite la thématique du paysage de manière transversale. Entre autre, sera révélée l'implication du sanclaudien George Besson (1882-1971), qui oeuvra pour l'acquisition de la maison natale de Courbet hébergeant plus tard le musée, puis celle de Guy Bardone (19272015) donateur de la collection constitutive du musée de l'abbaye qui sera ensuite secrétaire général de l'Institut Courbet pendant près de quinze ans. A noter, le « Pays Courbet, pays d'artiste » sera l'invité prestigieux de cet automne dans le Haut-Jura.
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Antonio de la Gandara gentilhomme peintre de la Belle Epoque
Collectif
- Gourcuff gradenigo
- 8 Novembre 2018
- 9782353402878
Né d'un père mexicain et d'une mère anglaise, Antonio de La Gandara a suivi les cours de l'Ecole des Beaux-arts et rejoint les classes de Gérôme et de Cabanel à l'âge de 16 ans en 1878. En 1882, il expose au Salon des Artistes Français où il reçoit sa première médaille. C'est en 1885 qu'il fait la connaissance du comte Robert de Montesquiou-Fézensac et de son ami Gabriel Yturri. Séduit par les oeuvres de l'artiste, inspirées de celles de Goya, Ribot et Vélasquez, Robert de Montesquiou s'active à faire connaître le jeune peintre auprès de l'aristocratie pour l'élever au rang de peintre mondain, ce que l'histoire retiendra.
Couvert d'honneurs, l'artiste connaît la gloire de son vivant. Il est alors un familier de la comtesse de Noailles, d'Anatole France, d'Henri de Régnier, de Gabriele D'Annunzio, de Maurice Barrès, mais aussi de Debussy, Saint-Saëns et Satie. Grâce à son frère Edouard, membre de la troupe de Sarah Bernhardt, il peut également pénétrer dans l'intimité du monde du théâtre et de l'Opéra, dont il fréquente les « étoiles ».
Ce sont ces différentes figures qui peuplent son oeuvre, au point d'en faire un témoignage exceptionnel de la vie artistique et mondaine de la toute fin du xix e siècle, le monde de Marcel Proust, qu'il a également croisé.
La fréquentation des salons mondains, l'Opéra et ses premières, étaient au nombre de ses obligations, mais ses moments de détente et de loisir se trouvaient dans la fréquentation des jardins, notamment le parc de Versailles. Il aimait en peindre les statues et les allées. Il se reposait ainsi des séances de poses avec ses capricieux modèles.
Avec plus de 110 oeuvres et une centaine d'objets et documents, l'ouvrage présente toute la richesse du parcours et les différentes facettes du talent de La Gandara, qui reste aujourd'hui un formidable témoin de la Belle Epoque et du monde disparu de « La Recherche du temps perdu ».
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Exposition organisée par le Musée provincial Félicien Rops, Namur (Belgique), du 24 mai au 22 septembre 2019.
Fils de l'artiste réaliste belge Charles Degroux (1825-1870), Henry de Groux (1866-1930) suit une formation à l'Académie de Bruxelles. Accepté au groupe des XX, il est obligé d'en démissionner pour avoir refusé d'exposer dans la même salle que van Gogh et avoir injurié celui-ci ainsi que Paul Signac et Toulouse- Lautrec.
Protégé de Félicien Rops qui le prit sous son aile pour tenter de lancer sa carrière, il s'installe à Paris où il réalise la majeure partie de son oeuvre et côtoie d'autres artistes tels que Toulouse-Lautrec, Whistler, Gauguin, Ensor, Rodin et Debussy. Il fréquente également de nombreux écrivains, parmi lesquels son futur gendre Émile Baumann, Mallarmé, Apollinaire, Oscar Wilde, Léon Bloy - avec qui il entretient une amitié fusionnelle - Verlaine, Zola, Heredia, Gide, Milosz, Rémy de Gourmont et Huysmans.
Il prend parti dans l'afaire Dreyfus et assure la protection de Zola contre la foule hostile à la sortie du tribunal.
Peintre, lithographe, dessinateur et sculpteur, Henry de Groux multiplie les opportunités pour exprimer ses émotions qui semblent incontrôlables. Il reprend de grands textes de la littérature, tels ceux de Dante, ou de grands héros de l'histoire pour exalter la démesure de ses sentiments.
À 22 ans, il réalise son chef-d'oeuvre un tableau de grand format, Le Christ aux outrages, conservé au Palais du Roure à Avignonet qui n'a plus été présenté dans une exposition temporaire en Belgique depuis l'Exposition centennale de l'art belge en 1930.
L'artiste décèdera à Marseille le 12 janvier 1930, au terme d'une vie exaltée et instable.
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Peintures italiennes XIVe-XVIe siècles : Ajaccio, Palais Fesch-musée des Beaux-Arts Catalogues raisonnés des collections
Collectif
- Silvana
- 9 Décembre 2022
- 9788836652839
Le Palais Fesch-musée des Beaux-Arts d'Ajaccio conserve l'une des plus importantes collections de peinture italienne des musées de France. Les tableaux donnés à la ville d'Ajaccio par le cardinal Fesch - oncle de Napoléon et célèbre collectionneur - offrent un large échantillon des écoles italiennes, des fonds d'or jusqu'au baroque tardif. Si les Primitifs forment la partie peut-être la mieux connue de cette collection, la Renaissance, depuis ses débuts jusqu'au maniérisme, y est aussi largement représentée.
Ce catalogue exhaustif couvre trois siècles de peinture, des contemporains de Giotto à Vasari et Santi di Tito, en passant par Botticelli, Cosmè Tura et les chefs-d'oeuvre de Titien et Véronèse déposés par le musée du Louvre. -
Itinérances artistiques ; la Creuse, une vallée atelier
Collectif
- Les ardents editeurs
- 9 Mai 2016
- 9782917032718
Au XIXe siècle, alors que les peintres parcourent l'Europe en quête de motifs, la vallée de la Creuse devient un véritable foyer artistique, un lieu d'intense création où se forgent plusieurs colonies d'artistes. Quatre peintres, tous issus de communautés artistiques diverses, ont élu cette vallée-atelier parmi d'autres sites, comme lieu de leurs motifs de prédilection ou de révélation picturale : Allan Österlind (1855-1938), Charles Bichet (1863-1929), Eugène Alluaud (1866-1947) et Alfred Smith (1854-1936). Ces quatre figures constituent autant d'artistes migrateurs venus expérimenter les vallées de la Creuse, de la Sédelle, de la Gartempe ou de la Vienne. Cet ouvrage/catalogue accompagne l'exposition La Creuse, une valléeatelier. Itinérances artistiques. A. Österlind (1855-1938), C. Bichet (1863-1929), E. Alluaud (1866-1947) et A. Smith (1854-1936), organisée par les musées de Guéret, La Châtre, éguzon et Limoges.
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«Les dîners de Gala ont été voués aux plaisirs du goût... Si vous êtes un disciple de ces peseurs de calories qui transforment les joies d'un repas en punition, refermez ce livre, il est trop vivant, trop agressif et bien trop impertinent pour vous.» ? Salvador Dali Nourriture terrestre et surréalisme font très bon ménage: sexe et homards, collage et cannibalisme, rencontre d'un cygne et d'une brosse à dents sur un fond de tarte. Les opulents dîners mondains lancés par Salvador Dali (1904-1989) et son épouse et muse, Gala (1894-1982), ont donné matière à bien des légendes. Heureusement pour nous, Dali a publié un livre de recettes en 1973, Les Dîners de Gala, qui révèle bien des ingrédients sensuels, fantaisistes et exotiques qui firent la renommée de ces réunions festives.
Cette réédition rassemble en 12 chapitres l'intégralité des 136 recettes, spécialement illustrées par Dali et organisées par types de plats, y compris les aphrodisiaques. Les images et les recettes sont accompagnées des extravagantes pensées de Dali sur des sujets tels que les conversations à table: «La mâchoire est notre meilleur outil pour atteindre la connaissance philosophique.» Toutes ces recettes élaborées peuvent être réalisées à la maison, bien que certaines demanderont des talents plus assurés et un garde-manger bien fourni. Il s'agit là d'une cuisine ancienne école faite de plats concoctés par de grands chefs français, maîtres de restaurants étoilés à Paris, tels que Lasserre, La Tour d'Argent, Maxim's et Le Train Bleu. Mais le bon goût, de même que le plaisir voluptueux, ne se démode jamais. En rendant ce livre accessible à un large public, TASCHEN offre à la cuisine d'aujourd'hui une oeuvre d'art, un livre de cuisine pratique et une aventure riche en sensations. -
Pablo Picasso est l'une des figures majeures de l'art du XXe siècle. Avec le cubisme, il a participé aux avant-gardes. Son oeuvre s'est ensuite déployée dans des directions multiples, frôlant l'abstraction mais restant toujours ancrée dans le réel, croisant la route du surréalisme et ouvrant la voie à la liberté d'expression pour les générations suivantes. Une monographie d'un genre nouveau, conçue selon une méthode de lecture des oeuvres, pour comprendre la peinture d'un des plus grands maîtres de l'histoire de l'art, décrypter son oeuvre et reconnaître son style.
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En 1688, Louis XIV fait appel à Jean Cotelle, peintre d'histoire très apprécié et miniaturiste confirmé, pour participer à la déco- ration du Grand Trianon, palais de plaisance, retiré de l'agitation de la cour. Au moment où le roi est en train de rédiger la pre- mière version de Manière de montrer les jardins de Versailles , il manifeste en effet le désir d'orner la galerie de Trianon d'un cycle ambitieux de vingt-quatre tableaux représentant les jardins, récemment créés par André Le Notre.
Cotelle se voit confi er l'essentiel de la prestigieuse commande, soit vingt-et-un tableaux, dont la réalisation s'effectue en seulement deux ans. Afi n de s'adapter au lieu, Cotelle peint dans un format vertical assez inhabituel. Dissimulés dans la végé- tation, les bosquets se prêtent à la représentation des plaisirs et des amours des dieux. Cotelle peuplent donc ses toiles, dans lesquelles transparaissent la fraîcheur des coloris et la délicatesse du dessin, de nymphes, déesses et héros tirés de la mytho- logie ou de la fable.
Cet ensemble unique, révélateur du goût du roi pour ses jardins, est complété par trois peintures de Jean-Baptiste Martin et d'Étienne Allegrain.
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De Velásquez à Picasso ; l'enfance de l'art
Collectif
- Reunion des musees nationaux
- 25 Mars 2015
- 9782711871933
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Goya, génie d'avant-garde ; le maître et son école
Collectif
- Snoeck gent
- 2 Décembre 2020
- 9789461615602
Une exposition consacrée à des oeuvres artistiques de Franscisco de Goya y Lucientes est organisée du 7 novembre 2019 au 10 février 2020 par le musée des Beaux Arts de la Ville d'Agen, au sein de l'ancienne église des Jacobins.
Le projet d'exposition s'appuie sur une recherche approfondie concernant l'achat à Madrid au XIXe siècle par le Comte de Chaudordy, ambassadeur de France à Madrid de 1874 à 1881, de huit oeuvres réalisées ou attribuées à Goya. Cette manifestation s'inscrit à la suite des journées d'étude organisées par le musée du Louvre et le Centre de Recherche et de Restauration des Musées de France en janvier 2013, suivies en avril par celles consacrées aux oeuvres de plusieurs musées de France, dont Agen :
Deux manifestations internationales qui avaient réuni conservateurs et spécialistes.
