Au fil des ans plus ou moins sombres, le graphisme, synthèse vivante et claire de l'image et de l'idée, restitue l'esprit de chaque époque. Celui qui nous accompagne à chaque minute de notre vie, du packaging minimaliste aux publicités colorées, des graphiques éclairants sur la situation de l'environnement aux élégantes interfaces, est autant un moyen de transmettre l'information qu'il est le reflet des aspirations culturelles d'une société et de ses valeurs. L'auteur Jens Müller a mis à profit son immense connaissance de ce domaine pour sélectionner les créations les plus marquantes de chaque année. Ce recueil des plus importants travaux graphiques offre une réflexion nécessaire sur les développements d'un domaine créatif en constante évolution et en remise en question permanente. Ces oeuvres essentielles forment comme des jalons dans notre histoire contemporaine et nous aident à percevoir la véritable influence du graphisme sur notre vie quotidienne.
The Russian Criminal Tattoo Archive presents highlights from FUEL's singular collection of authentic material on this subject. Previously unpublished in its original form, this work comprises ink on paper drawings by Danzig Baldaev, the photographic albums of Arkady Bronnikov and prisoner portraits by Sergei Vasiliev. The selection is contextualised with insights from Mark Vincent PhD (author and academic specialising in the Soviet Gulag) and Alison Nordstroem (photography scholar, writer and curator).
The meticulous depictions of tattoos by prison guard Danzig Baldaev are reproduced in facsimile, authenticated by his signature and stamp, alongside his handwritten notes on the reverse. The paper has yellowed with age, giving the exquisite drawings a visceral temporality - almost like skin.
Sergei Vasiliev's photographs portray inmates in startling intimacy. He achieves a remarkable level of trust within the closed criminal society, a strict hierarchy, where outsiders are viewed with hostile suspicion.
Arkady Bronnikov's collection of photographs are shown in the albums in which they were collected. Used exclusively to aid police in their investigations, they depict a motley line-up of assorted body parts.
This unique book is the only publication of primary material on this subject, highlighting the pioneering methods of these three individuals used to document this unique phenomenon.
Un panorama ronronnant et velu de l'illustration contemporaine qui met en avant les chats. Dans tous les pays, les félins savent attendrir leurs propriétaires, dont certains sont illustrateurs...
Long before GPS or Google Maps were invented, folded paper maps were our most trusted companions on the road. While traditional maps are becoming increasingly obsolete, there is more to cartography than establishing bearings or a sense of scale. Maps can also be a thing of beauty that appeals to our sense of nostalgia, evoking memories of trips taken - or planned and not yet realized. Illustrated maps hone the ability to bring a place to life through vivid renderings, leaving a unique impression influenced by the artist's own experiences. From iconic landmarks to hidden shortcuts, GET LOST! takes your eyes on a cartographic journey and allows readers to explore the lands within through the skill of the Illustrators included. Categorized by region, readers can experience different illustrators' interpretations of the same place through personal anecdotes and recommendations.
Utagawa Hiroshige (1797-1858) est un des derniers grands artistes de la tradition de l'ukiyo-e. Littéralement «images du monde flottant», l'ukiyo-e était un art particulier florissant entre le 17e et le 19e siècles, venu à incarner l'image que le monde occidental se faisait du Japon. Images d'hédonisme à bien des égards, les scènes ukiyo-e représentaient souvent les vives lumières et attractions d'Edo (aujourd'hui Tokyo): belles femmes, acteurs et lutteurs, vie citadine et paysages spectaculaires.
S'il a traité toute une variété de sujets, Hiroshige est surtout connu pour ses paysages et son dernier chef-d'oeuvre, la série des «Cent vues célèbres d'Edo» (1856-1858), qui dispense diverses scènes de la vie quotidienne au fil des saisons, des rues commerçantes trépidantes aux merveilleux vergers de cerisiers.
Cette réédition a été réalisée grâce à une des plus belles séries complètes de gravures sur bois anciennes, propriété du Musée mémorial d'Ota à Tokyo. Chacune des 120 illustrations s'accompagne d'une description qui permet aux lecteurs de se plonger dans ces superbes vues débordant de vie, devenues des modèles de «japonisme», qui ont inspiré les artistes impressionnistes, post-impressionnistes et Art Nouveau, de Vincent van Gogh à James McNeill Whistler.
The iconic Mexican painter as seen through over 300 archival items, from her wardrobe to her personal art collection This compendium presents the rich diversity of themes, ideas, concepts and emotions generated around two fundamental, iconic figures of modern Mexico: painter Frida Kahlo and her husband, muralist Diego Rivera.
More than 300 images from the archives of the Museo Frida Kahlo in Mexico City offer readers a glimpse of Kahlo's distinctive wardrobe and the impressive collections of popular and pre-Hispanic art she assembled with Rivera, her connection with photography and the history of La casa azul, her beloved cobalt-blue home that now serves as the museum's main building. This volume welcomes us into Frida Kahlo's universe, exploring the legacy of an indispensable figure in the world of 20th-century art and culture in her native Mexico and across the globe.
Frida Kahlo (1907-54) began painting at the age of 18 when she was immobilized for several months as a result of a bus crash that left her permanently disabled. From then on, art served as an immense source of healing for Kahlo as well as a vehicle for self-expression and cultural exploration. At the heart of Kahlo's practice was her love for Mexican folk tradition, her staunch communist beliefs and her complex relationship with her body, gender and sexuality. A lifelong activist, Kahlo died of a pulmonary embolism after participating in a demonstration against the CIA's invasion of Guatemala.
Revue et augmentée par Marie du Bouchet et Gustave de Staël, cette nouvelle édition reprend la version épuisée de 1997 parue aux éditions Ides et Calendes, en la renouvelant avec des notices enrichies des nombreuses expositions, livres et ventes d'oeuvres qui ont fait vivre la peinture de Nicolas de Staël depuis lors.
Cette nouvelle édition tant attendue du catalogue raisonné de l'oeuvre peint de Nicolas de Staël est la troisième depuis 1968, établie alors par la veuve du peintre, Françoise de Staël disparue en 2012. Revue et augmentée par Marie du Bouchet et Gustave de Staël, elle reprend la version épuisée de 1997 parue aux éditions Ides et Calendes, en la renouvelant avec des notices enrichies des nombreuses expositions, livres et ventes d'oeuvres qui ont fait vivre la peinture de Nicolas de Staël depuis lors.
Un long travail de recherche a permis, grâce aux Collectionneurs, Maisons de vente, Galeries et Musées, de rassembler un très grand nombre de reproductions en couleur. Nous sommes donc particulièrement heureux aujourd'hui de pouvoir publier pour la première fois un catalogue raisonné tout en couleur.
Le corpus de l'oeuvre est composé aujourd'hui de 1120 tableaux. Dix-neuf tableaux ont été ajoutés, dont 7 qui ont été reconnus depuis 1997 comme étant de la main de Nicolas de Staël et 7 esquisses qui étaient déjà intégrées dans le premier catalogue raisonné en 1968, puis retirées par Françoise de Staël dans l'édition de 1997. Il a été décidé de les réintégrer afin de réaliser un catalogue exhaustif de l'oeuvre.
Pour la première fois également, ce catalogue raisonné paraît en langue anglaise, ce qui permet de refléter la présence internationale de l'oeuvre. Un grand nombre de peintures étant conservées dans les collections privées ou muséales américaines et britanniques, le choix de l'anglais pour cette publication nous a paru évident. Les textes qui font partie des écrits fondateurs de l'oeuvre de Nicolas de Staël, tels que celui d'André Chastel, de Roger van Gindertael, de Germain Viatte ou d'Anne de Staël seront donc accessibles aux lecteurs amateurs et collectionneurs étrangers. Nous sommes reconnaissants à Madame Eliza Rathbone (spécialiste reconnue de l'oeuvre du peintre) d'avoir rédigé une introduction qui retrace avec grande précision l'histoire de la renommée de Nicolas de Staël aux États-Unis.
Ce Catalogue raisonné des peintures fait écho au Catalogue raisonné des oeuvres sur papier parue en 2013 aux Editions Ides et Calendes.
It's All About Freedom presents a comprehensive cross-section through nine decades of Tomi Ungerer's artistic work for the first time-from drawings from the nineteen-thirties to objects from the two thousand-tens. The exhibits selected shed new light on Ungerer's oeuvre by making it possible to comprehend the artistic dimension of the political and stylistic lines and breaks in his oeuvre as a 'freewheeling artist'. His passion for experimenting across genres and the interplay between drawing, collage, and assemblage through which he searched for identity and humanity is thus shown in his work again and again. Developed by the Deichtorhallen Hamburg / Sammlung Falckenberg in cooperation with the Tomi Ungerer Estate and the Musee Tomi Ungerer in Strasbourg, the volume brings together contributions on Tomi Ungerer's life's work by Thomas David, Belinda Grace Gardner, Aria Ungerer, and Therese Willer, with a foreword by Dirk Luckow and Harald Falckenberg.
Piet Mondrian had a decisive influence on the development of painting from figuration to abstraction. On the occasion of his 150th birthday, Mondrian Evolution is dedicated to his multifaceted work and artistic development. Initially working in the tradition of Dutch landscape painting of the late 19th century, Symbolism and Cubism subsequently took on great significance for him. It was not until the early 1920s that the artist focused on a wholly non-representational pictorial vocabulary, limited to the rectangular arrangement of black lines with surfaces in white and the primary colors blue, red and yellow. In separate chapters, this path is traced through motifs such as windmills, dunes, and the sea, farms reflected in the water, and plants in various forms of abstraction.
Paul Sérusier, né le 9 novembre 1864 à Paris, et mort le 7 octobre 1927 à Morlaix, est un peintre postimpres- sionniste français, associé au mouvement des nabis.
« Il est une notion sans laquelle aucun être animé, même le végétal, ne pourrait exister : c'est celle de l'équilibre. » Paul Sérusier
This catalogue for a show at the Royal Museum of Fine Arts, Brussels, brings Picasso's relationship to abstraction into focus. With more than 120 exceptional works of art in dialogue with some of the great works of the early 20th century abstraction movement, it addresses the major stages that punctuated the links between Picasso's work and the history of abstract art. It covers the period from the first Cubist experiments of 1907, carried out simultaneously with Les Demoiselles d'Avignon, to his later work, which is sometimes situated on the borders of gestural painting.
Proche de l'esthétique de l'art brut et du surréalisme, mais artiste singulier, Louis Pons fut d'abord un dessinateur exceptionnel. Son trait d'encre à la plume, rapide, vivant, s'entrelace et se superpose jusqu'à faire surgir des êtres énigmatiques, dont la nature - humaine, animale ou végétale - demeure parfois ambiguë.
A partir de 1959, en réaction à de graves problèmes de vue, Louis Pons transposa son univers dans des assemblages. De ces bouts de rien, de ces objets de rebut qui, dépossédés de leur fonction, ne sont plus que la carcasse d'eux-mêmes, il fabriqua sans relâche des objets qui exercent un pouvoir quasi-magique d'attraction-répulsion chez le spectateur. Louis Pons, homme des mots, du tracé et des traces, nous entraîne dans un monde fantastique, parfois cauchemardesque quand il n'est pas mis à distance par l'humour qui en dissipe les monstruosités. Le catalogue de l'exposition présente près d'une centaine oeuvres : les dessins aussi bien que les assemblages, tandis que la genèse de l'oeuvre sera illustrée par des images de photographes remarquables.
Pionnier du mouvement de la Figuration Narrative, Erro est à la fois pop et baroque, il désire jouer avec les images, les détourner de leur quotidienneté banale pour les insérer dans un contexte méticuleusement préparé.
Tout commence à la fin des années 50 avec des ciseaux et de la colle... Publicités, journaux, affiches, propagandes politiques, bandes dessinées, il récupère tout ce qu'il voit, tout ce qu'il lit. Il découpe, il assemble et compose un collage comme une esquisse du tableau à venir.
Ce qui l'intéresse avant tout c'est notre culture visuelle et politique. De Mao Zedong à la guerre du Golfe, il raconte ce que tout le monde connaît et peut reconnaître... les figures de despote, le monde et ses conflits, la guerre des images.
En 1963, il arrive à New York et initie la série des Scapes, un flux ininterrompu d'images qui saturent la surface du tableau. Ainsi une narration infiniment complexe se met en place et laisse au spectateur sa liberté d'interprétation. « La peinture est un moyen de tenter de découvrir la signification d'un monde confus » nous dit Erro.
A bientôt 90 ans, Erro investit la Galerie Strouk en reprenant ses sujets de prédilections : les supers héros de la pop culture américaine, les mangas japonais et toujours ses hommages à Fernand Léger et Pablo Picasso.
Ce catalogue très attendu, accompagnant la première exposition de Gerhard Richter avec David Zwirner, présente les dernières peintures de Richter ainsi que ses récentes explorations en dessin, en estampe et en sculpture. Connu pour ses peintures abstraites et réalistes, Gerhard Richter a poursuivi une pratique diversifiée et influente caractérisée par un engagement de plusieurs décennies envers le médium et ses possibilités formelles et conceptuelles. Des plaques en couleur et des vues d'installations présentent une sélection des dernières oeuvres sur toile de l'artiste - réalisées juste avant qu'il n'annonce sa retraite de la peinture à l'huile en 2017 - ainsi qu'une vaste série de nouveaux dessins réalisés à l'encre, au graphite et au crayon de couleur sur papier, une remarquable série de tirages à jet d'encre chromatiques intitulée "mood" et une superbe sculpture en verre qui a fait ses débuts à l'exposition à New York.
Although they never met, Hilma af Klint and Piet Mondrian shared a deep dynamic connection to the natural world and began their careers as landscape painters. For them, science and mysticism were not exclusive practices, but part of the same essential framework for understanding the life forces around them.
Both artists engaged with science and esoteric thought as tools for exploring the underlying structures of nature and how they give meaning to art and life. Natural forms are abstracted to their atomic levels; cells evolve, dividing and expanding the canvas in colour; sinuous stems spiral into the ether whilst the crystalline formations of grids stretch out to form an infinite universe.
Including works never before seen in the UK, this publication will elucidate and invigorate our understanding of two ground-breaking artists and will be sure to get synapses firing.
A colossal trove of the countless design gems and innovations of modern publishing in Latin America .
This massive publication offers the first comprehensive panorama of the Latin American illustrated book between the 1920s and 1940s, a period characterized by the rapid modernization of the region. The books reproduced here encapsulate this transformative era, expressing and embodying emergent national and continental narratives in Latin American countries.
Diagramming Modernity reproduces more than 1,000 illustrated first editions, analyzing the cornucopia of cultural narratives they contain. In addition to showcasing relatively unknown work by many consecrated artists, the publication also boasts an extensive repertoire of avant-garde artists largely forgotten until today. Chapters are devoted to countries and to specific themes such as Word-Image, Verbal Visualities, Pre-Columbianisms and Ancestralisms, and Social and Political Graphics. Writers and thinkers Rodrigo Gutiérrez Viñuales, Riccardo Boglione, Juan Manuel Bonet, Mariana Garone Gravier and Dafne Cruz Porchini conscientiously investigate these themes and more.
There is something distinctly visceral about graphite art, where every stroke of the artist or illustrator seems to convey emotion in its purest form. At a time when almost everything can be digitally done up to perfection, the smudges and smears by graphite can be refreshing to the eye and unapologetically human - touching viewers to the core. As a creative tool, it can also be the simplest and most affordable medium with which to express oneself and find joy.
GRAPHITE is a stunning collection of pencil artwork by creatives around the world who have skilfully mastered the art of drawing by hand to make their mark. Featuring various subject matters and styles, it makes for a beautiful addition to the bookshelf and invites you to step away from your screen every now and then to, perhaps, pick up a pencil yourself and appreciate the simple things in life.
Un catalogue qui plonge le lecteur dans l'extraordinaire variété de logogrammes réalisés par Dotremont à travers plus de 120 oeuvres sur papier, photographies, films et certaines pièces d'archives présentées pour la toute première fois au public.
Glissez-vous dans la valise de l'artiste pour découvrir son cheminement créatif vagabond. Outre les logogrammes, le parcours présente une sélection de « dessins-mots » et d'autres oeuvres à quatre mains réalisées avec Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Serge Vandercam, Hugo Claus, etc. D'autres plasticiens de l'écriture comme Henri Michaux, René Guiette, Jean Raine, Jules Lismonde, Jacques Calonne dialoguent avec le travail de Dotremont.
A catalogue that immerses the reader in the extraordinary variety of logograms made by Dotremont through more than 120 works on paper, photographs, films and some archival pieces presented for the very first time to the public.
Slip into the artist's suitcase to discover his wandering creative journey. In addition to the logograms, the tour presents a selection of "word drawings" and other four-handed works made with Pierre Alechinsky, Asger Jorn, Serge Vandercam, Hugo Claus, etc. Other visual artists of writing such as Henri Michaux, René Guiette, Jean Raine, Jules Lismonde, Jacques Calonne dialogue with the work of Dotremont.
Le Musée Estrine consacre une exposition à Françoise Gilot, compagne de Picasso après la 2de GM. Cette arstiste continue de susciter la ferveur par les passionnés d'art avec son langage de forme et de couleur unique.
Ses oeuvres, réalisées sur divers supports, occupent aujourd'hui une place plus qu'importante dans le monde de l'art international et est fortement liée l'évolution de l'art moderne au XXème siècle.
Son travail exquis de peinture, sa manière de pensée féministe ainsi que ses travaux littéraires lui ont valu en 1990 le titre de Chevalier de la Légion d'honneur.
Son parcours est le résultat d'une vie riche au contact d'artistes exceptionnels, dont Pablo Picasso.
Exposition : Saint Rémy de Provence, Musée Estrine, du 16 juillet au 31 octobre 2021.
