Dans ce roman intime, lumineux et documenté, Catherine Cusset retrace la vie du plus célèbre des peintres anglais, de son enfance au Royaume-Uni à son installation en Normandie, en passant par sa période californienne. Au fil des années, elle suit les recherches formelles permanentes qu'il a menées - sur la peinture, la gravure, la sérigraphie, la photographie ou le dessin numérique - et que ni les chagrins amoureux, ni la maladie, ni les conflits, ni le deuil n'ont jamais pu entamer.

Tom Wesselmann (1931-2004) est considéré comme l'un des plus importants artistes Pop de sa génération, avec une production qui s'étend sur presque cinq décennies, des années 1950 aux années 2000. Né à Cincinnati, l'artiste fera de New York son lieu de vie et de création, et il y restera jusqu'à son décès, le 17 décembre 2004. Catalogue de l'exposition présentées à la Fondation Louis Vuitton, l'ouvrage explore toutes les périodes créatives de l'artiste et retrace les grandes lignes du mouvement Pop Art. Les oeuvres de Wesselmann seront entourées des plus grands noms du Pop Art et de ses héritiers, révélant alors les influences passées, ainsi que l'impact de l'artiste sur les futures générations. De Marcel Duchamp, à Ai Weiwei, en passant par Kurt Schwitters, Hannah Hoch, Andy Warhol, Jasper Johns, Robert Rauschenberg, James Rosenquist, Roy Lichtenstein, Kaws, Jeff Koons, ou encore Martial Raysse, Meret Oppenheim, Tomokazu Matsuyama, Derrick Adams, Mickalene Thomas, c'est tout un pan de l'histoire de l'art contemporain qui prend forme dans un ouvrage sans précédent. Catalogue de l'exposition événement «Pop Forever. Tom Wesselmann» présentée à la Fondation Louis Vuitton du 16 octobre 2024 au 3 mars 2025. Lire la suite Fermer

Artiste franco-américaine reconnue internationalement pour ses oeuvres engagées et colorées, tour à tour plasticienne, peintre et sculptrice, Niki de Saint Phalle (1930-2002) s'est également consacrée à l'écriture et a publié plusieurs ouvrages autobiographiques illustrés. En 1971, elle entreprend de raconter l'histoire d'un amour, en mots et en dessins, sous la forme d'un livre-objet qui se déploie en accordéon. My Love, ce livre d'artiste, rare et longtemps introuvable, est ici reproduit à l'identique de l'édition originale, telle que Niki de Saint Phalle l'avait imaginée.

Au début du XX? siècle, Céline Laguarde s'est imposée comme une figure internationale du premier mouvement artistique de l'histoire de la photographie, le pictorialisme. Son oeuvre sort aujourd'hui d'un siècle d'oubli. Cette première monographie consacrée à l'artiste révèle une production d'une qualité, d'une variété et d'une longévité insoupçonnées. Fruit de recherches inédites, elle reconstitue la vie, l'oeuvre et la carrière de cette virtuose des procédés pigmentaires. L'ouvrage propose un regard nouveau sur le pictorialisme tout en replaçant le cas de Laguarde dans le contexte encore méconnu, et analysé ici pour la première fois, de la photographie féminine en France au tournant des XIX? et XX? siècles. Il invite ainsi à une véritable redécouverte : celle d'une femme photographe ayant atteint un degré de reconnaissance alors unique et sans précédent en France depuis l'invention du médium, mais aussi, et surtout, celle d'une artiste déjà considérée, de son vivant, parmi les photographes majeurs de son temps. Lire la suite Fermer

La photographie a, dès ses débuts, donné naissance à des images qui marquent encore aujourd'hui notre imaginaire collectif. Au-delà d'un art, la photo est un outil d'information, une arme de révolte, une manière de documenter son temps. Grâce à l'exceptionnelle collection constituée par la Fnac depuis 1978, aujourd'hui conservée au musée Nicéphore Niépce de Chalon-sur-Saône, Quentin Bajac a pu réunir dans ce beau livre certains des plus grands représentants de tous les genres photographiques et dessiner une histoire de la photographie au XX? siècle ainsi que le portrait d'une époque.

Les toques et turbans de Rembrandt, les foulards d'Élisabeth Vigée Le Brun, George Sand en costume masculin, le pantalon de Rosa Bonheur, la robe de chambre de Balzac par Rodin, Marcel Duchamp en Rrose Sélavy, les Robes simultanées de Sonia Delaunay, la Robe serpent de Niki de Saint Phalle ou encore la perruque d'Andy Warhol... L'habit ferait-il l'artiste ? Dans une exploration inédite du vêtement d'artiste de la Renaissance à nos jours, cet ouvrage présente plus de deux cents oeuvres - peintures, sculptures mais aussi vêtements, créations de haute couture, photographies et performances - et livre une autre manière de tisser ensemble histoire de la mode et histoire de l'art.

«Infini est le nombre des fous» Ecclésiaste, chapitre I, 15 Au commencement était «l'insensé», pauvre fou dépourvu de sagesse qui se détourne de Dieu. Relégué dans les marges, il sort de la sphère religieuse au cours du Moyen Âge pour s'épanouir dans le monde profane et devenir tour à tour celui qui divertit, met en garde, dénonce, inverse les valeurs, voire renverse l'ordre établi. Reconnaissable à ses attributs emblématiques - capuchon à oreilles d'âne ou à crête de coq, grelots, clochettes, marotte, costume bariolé -, cette figure évolue au fil des siècles et s'incarne en de multiples avatars : fous de cour, fous d'amour ou bouffons envahissent alors tout l'espace artistique occidental. Du Moyen Âge à la Renaissance et jusqu'à l'époque moderne, un parcours exceptionnel dans l'art de l'Europe du Nord réunit ici près de 350 oeuvres aussi diverses que les personnages qu'elles mettent en scène : manuscrits enluminés, livres imprimés, gravures, tapisseries, sculptures, objets précieux ou du quotidien et peintures d'illustres artistes, tels que Bosch, Bruegel, Géricault, Courbet... Sous le regard expert des plus grands spécialistes, cet ouvrage nous invite à réfléchir à ce que la norme conserve comme à ce qu'elle rejette. Il propose de reconsidérer quelques articulations majeures de l'histoire et de l'histoire de l'art, à l'aune de cette figure qui cristallise les inquiétudes et les passions. Une plongée dans un monde de folie qui nous renvoie à nous-mêmes et à notre rapport à l'Autre. Lire la suite Fermer

Depuis l'incendie qui a ravagé Notre-Dame de Paris en 2019, des centaines d'artisans venus de toute la France et de l'étranger redonnent vie à la cathédrale : charpentiers,tailleurs de pierre, taillandiers, doreurs, restaurateurs de peintures et de tapisseries, vitraillistes, couvreurs, etc. Laurence Bost est la seule artiste à avoir été accréditée par l'Établissement public chargé de la restauration de Notre-Dame pour peindre les artisans au travail. À travers ses toiles lumineuses, elle rend compte de la précision,de la maîtrise et de la virtuosité des gestes séculaires dont ils sont les gardiens. Avec des textes d'Adélaïde de Clermont-Tonnerre, Franz-Olivier Giesbert, Sylvain Tesson, Bertrand Vergely.

La zombification, phénomène décrit depuis le XVII? siècle en Haïti, appartient aux croyances de la religion vaudou. Visant à maintenir l'ordre social, cette pratique résulterait de la convergence des traditions magico-religieuses d'Afrique subsaharienne, des routes de l'esclavage transatlantique et de la maîtrise des poisons par les populations autochtones de la Caraïbe. Jugé par des sociétés secrètes, condamné et drogué, un individu est enterré vivant, exhumé puis exilé. Il devient alors un être sous emprise, soumis à la volonté d'un maître appelé bokor. La figure du zombi, de la victime d'une malédiction à la légende folklorique, a abondamment nourri la littérature fantastique et l'industrie cinématographique internationale, devenant aujourd'hui le symbole d'une mort contagieuse à l'échelle mondiale. En questionnant et en renouvelant les connaissances sur les zombis, cet ouvrage dirigé par Philippe Charlier entend explorer les origines de ce phénomène et interroger le réel et le supposé, le mystère et la recherche. Lire la suite Fermer

La notion de l'intime s'est progressivement modifiée depuis le XVIII? siècle, comme nous le révèlent nombre de pièces d'art décoratif et de design, d'oeuvres d'art ou encore d'images et objets du quotidien. Tous parlent de nos manières de vivre et, plus encore, de leur évolution. À travers les contributions de dix-huit historiens, historiens de l'art et sociologues, et grâce à une iconographie d'une grande diversité, cet ouvrage témoigne de la façon dont le mobilier de la chambre ou du repos, de même que les objets liés au bain, aux commodités, à la beauté et à la sexualité se sont transformés au gré de cette évolution. Instruments au service d'un désir d'isolement ou, au contraire, du vivre ensemble, ils nous invitent à réfléchir à cette question : l'intime est-il devenu une tyrannie, dans
une société trop narcissique qui oublie la chose publique, ou bien est-il menacé par les multiples bouleversements récents auxquels
nous sommes confrontés - au premier rang desquels la place prise par les nouvelles technologies ? Lire la suite Fermer

Nicolas Krief arpente les salles des grands musées pendant les accrochages des expositions. Il photographie sans jamais mettre en scène, avec humour souvent. Texte de Stéphane Guégan.

Les Sonnets de Michel-Ange sont la partie secrète de l'oeuvre d'un artiste majeur, dont l'on découvre la tumultueuse vie intérieure. Adressés à des amis, amants, artistes, figures religieuses, on y retrouve les grands thèmes universels : débordements de la passion amoureuse, art, mort, religion...
Dans un style limpide et lyrique, rude et élégant, c'est une ode au feu du désir, à la foi comme remède, au défi lancé par l'art au passage du temps.
Michel-Ange inscrit dans les mots, comme dans le marbre, sa quête obstinée de la pureté de l'âme et de la Beauté, pour enfin accéder à l'éternité.

Cinéaste, photographe, plasticienne... Agnès Varda a exploré de multiples modes d'expression pour dire la société avec une grande exigence esthétique. Témoin de son temps, elle le modèlera aussi en donnant une voix et un visage aux plus précaires, aux marginaux, aux révoltés, et participera activement à la lutte pour les droits des femmes. Laure Adler, son amie de longue date, retrace ici ce parcours exceptionnel dans un essai biographique riche et intime illustré par plus de 150 photographies issues des archives personnelles d'Agnès Varda, généreusement ouvertes par sa fille.

«On fonctionne comme on peut. Et moi j'ai besoin pour me renouveler, pour me développer, de fonctionner toujours différemment d'une chose à l'autre, sans esthétique a priori... Ce qui importe c'est que ce soit juste.» Cette formule que Nicolas de Staël couche sur le papier dans une lettre de janvier 1955, deux mois avant de se donner la mort à Antibes, synthétise le principe qui a gouverné sa trajectoire. Guidé par un puissant instinct et une vive aspiration spirituelle, il a su transformer les coups de l'adversité en ressort de créativité. Des ciels gris-bleu de Saint-Pétersbourg à la perspective azur de la Méditerranée, Staël a cheminé en solitaire, à la fois ombrageux et solaire, entouré et seul, orgueilleux et compassionnel, avant de s'éteindre comme une comète folle au terme d'un parcours aussi lumineux que tragique. Lire la suite Fermer

Le photographe Paolo Roversi et le philosophe Emanuele Coccia ont choisi le genre épistolaire pour nous livrer leurs pensées. Cette correspondance s'articule autour de la lumière, prenant comme point de départ des considérations du photographe, parfois techniques et toujours poétiques, auquel le philosophe répond en élargissant au champ plus vaste offert par sa discipline. Au fil des échanges, ponctués par des photographies emblématiques de Paolo Roversi, les auteurs se dévoilent, laissant apparaître deux personnalités singulières.

À l'occasion des 100 ans de la publication du Manifeste du surréalisme, cet ouvrage donne à voir à travers des dialogues entre art et littérature, l'intense créativité collective qui a animé le mouvement jusqu'à sa disparition officielle en 1969. Le surréalisme a embrassé toutes les formes d'expression : la littérature et singulièrement la poésie, la peinture et la sculpture mais aussi la photographie qui y atteint ses lettres de noblesse. La finalité de ce livre est de restituer largement le mouvement, de ses antécédences à ses retombées avec, en son coeur, le surréalisme lui-même. En mettant en regard les oeuvres de plus de 100 écrivains et artistes, il donne à voir l'intense créativité collective qui a animé le surréalisme en France mais également en Belgique, en Tchécoslovaquie, et jusqu'au Japon. Ce livre est un voyage en toute liberté dans les rebonds d'une création qui, dans l'action, ne cessait de se repenser, un mouvement que l'on croit connaître mais qui surprend toujours. Avec des textes et des oeuvres d'art des figures majeures du surréalisme - de ses antécédences à ses retombées -, parmi lesquelles Louis Aragon, Antonin Artaud, André Breton, Claude Cahun, René Char, Salvador Dali, Giorgio De Chirico, Robert Desnos, Marcel Duchamp, Paul Éluard, Max Ernst, Alberto Giacometti, Vassily Kandinsky, Wifredo Lam, Michel Leiris, Dora Maar, René Magritte, Man Ray, André Masson, Henri Michaux, Lee Miller, Joan Miró, Meret Oppenheim, Francis Picabia, Toyen, Tristan Tzara... Lire la suite Fermer

Gallimard/Fondation Louis Vuitton

Vers la fin de sa longue vie de création, Lucio Fontana (1899-1968) affirma non sans satisfaction : «Il y a quarante ans, on pouvait parler de futur. Comme alors, aujourd'hui non plus nous ne pouvons pas dire ce que sera le futur ; cependant, au cours de mes quarante ans d'activité et de ce que je vois dans le monde de l'art, il y a bien eu un futur.» Par cette expression ambiguë, l'artiste faisait allusion au renouvellement conceptuel de l'art auquel il avait cru fortement, qu'il avait anticipé dans son oeuvre et qui s'était effectivement produit dans l'art des protagonistes des dernières générations. À travers ce prisme, ce catalogue propose un voyage dans l'ensemble de l'oeuvre de Fontana, avant et après la Guerre, en Argentine et en Italie, et surtout une évocation de la variété de sa création : peintures, papiers, sculptures, céramiques et installations d'ambiance, lumineuses et spatiales. Le lecteur découvrira, au-delà des Concetti spaziali («concepts spatiaux»), des Attese («attentes») et des Buchi («trous»), un artiste figuratif et informel, un homme classique et futuriste... Un personnage à clefs en somme. Textes de Silvia Bignami, Luca Bochicchio, Paolo Campiglio, Valérie Da Costa, Benoît Decron, Jacopo Galimberti, Alfred Pacquement, Daniela Sbaraglia et Giorgio Zanchetti. Lire la suite Fermer

Nouvelle édition augmentée

L'oeuvre de Frida Kahlo (1907-1954) est peu abondante. Elle ne se compose que de cent quarante-trois peintures, de format généralement réduit, dont deux tiers d'autoportraits. Ce narcissisme frappant est en lien étroit avec sa biographie, avec son pays et son époque, avec ses dons naturels complètement excentriques. Il n'est pas étonnant que les grands «énigmatiques» du XVI? siècle, Jérôme Bosch et Bruegel l'Ancien, figurent parmi ses peintres de prédilection : Frida Kahlo ne montre jamais ses blessures directement, qu'elles soient corporelles - celles qui ont été provoquées par les accidents et les maladies - ou psychologiques. Sa langue symbolique est faite de clés subtiles ; elle est riche de métaphores puisées au fonds de presque toutes les cultures du monde. Les mythes fondateurs aztèques, les mythologies extrême-orientales et antiques et les croyances populaires catholiques se mêlent au folklore mexicain et à la pensée de son époque, avec Marx et Freud. Exotiques et explosives, significatives et vitales dans leur discours artistique, les images de Frida Kahlo sont le miroir d'une âme complexe et souvent effrayante : «Ma vérité intérieure», avait-elle coutume de dire. Dans les années soixante-dix, Frdi Kahlo, déjà figure de proue du Mexique moderne de son vivant, fut découverte par le mouvement féministe, qui donna à son oeuvre une popularité internationale et influença de manière durable sa fortune artistique. La mode porte aujourd'hui l'attention sur son oeuvre : des livres, un film ont raconté sa vie douloureuse, son mariage chaotique avec Diego Rivera, sa laison avec Trotski. Ce choix de quarante-deux chefs-d'oeuvre, reproduits dans leur ensemble et en détails, fait éxclater la qualité picturale et toute la richesse, les beautés et les abîmes de l'oeuvre de Frida Kahlo. Lire la suite Fermer

Paru en 1893, La Naissance de Vénus et Le Printemps de Sandro Botticelli est un texte fondateur dans l'oeuvre d'Aby Warburg, l'exemple même de sa méthode.
Il y met en relation les deux célèbres tableaux mythologiques de Botticelli avec les représentations qui leur correspondent dans l'art et la poésie de son époque. Avec une érudition étourdissante, il décortique le moindre détail de ces toiles et montre qu'aucun d'eux n'est insignifiant.

Textes de Natalie Adamson, Hermann Arnhold, Éric de Chassey, Benoît Decron, Pierre Encrevé, Amandine Meunier, Camille Morando, Alfred Pacquement

Gallimard/Musée d'Orsay

Catalogue d'exposition - Musée national des arts asiatiques - Guimet