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Arts et spectacles
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Les Matériaux : Une autre histoire de l'art moderne
Monika Wagner
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 20 Novembre 2025
- 9782735130320
Monika Wagner propose ici une première étude complète des matériaux dans l'art du XXe siècle, en s'attachant à leur mise en oeuvre et à leur signification. À travers des oeuvres particulièrement exemplaires, elle prend en compte les matériaux traditionnels, mais aussi ceux qui ont été nouvellement développés ou qui sont étrangers à l'art pour les replacer, au-delà des mythologies personnelles des différents artistes, dans le contexte de leurs utilisations et de leurs attributions ordinaires. La reconstruction critique de leur signification ouvre ainsi un nouvel accès à la compréhension de l'art moderne. Les matériaux convoqués et étudiés sont au coeur de l'art du XXe siècle, à commencer par la couleur en peinture, en passant par les objets de tous les jours ou provenant de la nature, jusqu'aux matières les moins palpables comme l'air ou la lumière. Les exemples que Monika Wagner a choisi d'élucider révèlent ce que nous disent ces matériaux dans la conjonction de leurs utilisations au cours de l'histoire et de leurs assignations sociales ou de sexe. De nombreuses illustrations complètent en les éclairant les analyses des oeuvres étudiées.
Monika Wagner (1944) est professeure émérite d'histoire de l'art à l'université de Hambourg. Ses recherches portent sur la peinture des XVIIIe-XXe siècles, l'histoire et la théorie de la perception, l'aménagement des espaces publics et, en particulier, la sémantique des matériaux de l'art. Son livre Das Material der Kunst. Eine andere Geschichte der Moderne (Munich, Beck, 2001) a fait date; le présent ouvrage en offre la première traduction française. -
Faire art pour faire politique : Arts, pouvoirs et dissidences
Dominique Malaquais, Silvia Forni, Jean-Christophe Lanquetin, Kadiatou Diallo, Julie Peghini, Lionel Manga, Dominique de Menil, Eléonore Hellio, Ntone Ejabe
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Afrique(S)
- 22 Mai 2025
- 9782735130887
Dominique Malaquais, historienne de l'art et politiste (1964-2021): son existence et sa formation sont ancrées dans deux pays (Etats-Unis, France), deux cultures et deux langues. Pour elle, penser l'art et penser le politique ne font qu'un. Et c'est aux Afriques, à leurs cultures urbaines et à leurs arts que, pendant plus de trente ans, elle consacre son activité de chercheure, d'enseignante, de curatrice, de traductrice et d'écrivaine.
Parce que le travail en collectif était essentiel pour Dominique Malaquais, elle se raconte ici avec des compagnes et compagnons de route - Kadiatou Diallo, Silvia Forni, E'le'onore Hellio, Jean-Christophe Lanquetin, la paperson, Lionel Manga, Dominique de Me'nil, Ntone Edjabe et Julie Peghini. Elles et ils sont universitaire, vide'aste, curateure, sce'nographe, bloggeuse, activiste, essayiste, édiiteur ou encore DJ. Avec chacune, avec chacun, un échange. Il y est question d'insoumission, de convictions partagées et de pratiques communes, de prises de position et de désaccords, d'incertitudes, de colères, de joies, de possibles, de culs-de-sac. Au fil de ces récits se construit un atlas de trajectoires entrelace'es.
L'importance du travail accompli par Dominique Malaquais a pour nom Afriques. Les Afriques où elle a engagé son expérience affective, sensorielle, relationnelle, artistique et politique. Les Afriques qu'elle place d'autant plus haut qu'elle a toujours la plus vive conscience de rester, quoi qu'elle dise ou quoi qu'elle fasse, une Occidentale, enseignant dans les plus prestigieuses universités états-uniennes ou oeuvrant au CNRS. L'exigence, la lucidité, la clairvoyance des échanges qui trament cet ouvrage tiennent indissociablement à ce que Dominique Malaquais y relaie les arts africains d'êtres engagés et engageants - qui font humain ensemble: ubuntu - et aux façons dont elle effectue cette passe, suggérant par quelles coopérations à géométrie variable peut s'opérer ce relais. -
Nationalismes, antisémitismes et les débats autour de l'art juif : de quelques critiques d'art au temps de l'école de Paris (1925-1933)
Alessandro Gallicchio
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 22 Juin 2023
- 9782735129362
Le livre examine les prises de positions esthétiques et idéologiques parfois déroutantes de la critique d'art dans la France de l'entre-deux-guerres. Il met en rapport la revendication d'un art national avec le débat autour de la notion d'art et d'artiste juifs.
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Jacques Louis David, la traite négrière et l'esclavage : Son séjour à Nantes, mars-avril 1790
Philippe Bordes
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passerelles
- 7 Décembre 2023
- 9782735129683
De son voyage à Nantes au printemps 1790, Jacques Louis David rapporta une vaste composition allégorique, inspirée par l'esprit révolutionnaire qui avait très tôt pris racine dans la cité portuaire. Le présent essai en propose une analyse serrée soulignant que, lors de son séjour dans le premier port négrier de France, le peintre fut inévitablement confronté à la réalité du commerce des esclaves. En déchiffrant la polysémie iconographique de son dessin, Philippe Bordes y voit une métaphore de l'esclavage - ou plus exactement d'un esclavage Noir-Blanc, dans le double sens colonial et métropolitain - que David voulut y déployer. Il met en lien cette composition avec l'influence de son entourage parisien, qui comptait plusieurs membres de la Société des Amis des Noirs, et avec les vifs débats sur l'abolition de la traite négrière au sein de l'Assemblée nationale et en dehors. L'histoire renouvelée du séjour nantais de David se révèle alors comme le moment de l'entrée en Révolution de ce géant de la peinture en tant que citoyen et artiste.
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L'impressionnisme à ses frontières : Le cas Meier-Graefe et la lutte pour l'art moderne en Allemagne
Victor Claass
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 7 Décembre 2023
- 9782735129348
Par ses écrits pionniers sur l'histoire du développement de l'art moderne, le critique d'art allemand Julius Meier-Graefe (1867-1935) joua un rôle décisif pour la canonisation de l'impressionnisme dans l'Europe de 1900. En défendant avec subversion et énergie la peinture de Manet, Renoir ou Cézanne outre-Rhin, il se mit à dos les élites conservatrices de l'Empire, qui observaient avec méfiance la propagation des valeurs de la modernité artistique. Tout au long de sa trajectoire franco-allemande, ponctuée de virulentes polémiques et cisaillée par le surgissement de la Première Guerre mondiale, Meier-Graefe lutta contre l'emprise d'un nationalisme obtus sur les récits artistiques. Son projet de régénération de la culture allemande fut ainsi indissociable de ses efforts pour la fédération d'une Europe pacifiée des images.Si le progressisme francophile tout comme le vitalisme de son approche de la peinture ont parfois été soulignés, l'étude de son implication dans les débats politico-culturels de son temps révèle une personnalité plus nuancée. Ce livre révèle ainsi les surprenants à-coups et paradoxes ayant émaillé la carrière transnationale de Meier-Graefe, où alternèrent phases d'enthousiasme débridé et d'intense désillusion. Le personnage s'y dévoile comme un penseur du déclin et le chantre d'une modernité idéalisée, dont l'impressionnisme représentait à la fois la quintessence et le chant du cygne.
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Westkunst, 1981 : A Historiography of Modernism Exhibited
Mathilde Arnoux, Maria Bremer
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 17 Avril 2025
- 9782735130573
In 1981, the Cologne Trade-Fair centre hosted a large exhibition titled Westkunst: Zeitgenössische Kunst seit 1939 (Western Art: Contemporary Art since 1939). Organized by art critic Laszlo Glozer and curator Kasper König, the Western-centric survey highlighted avant-garde art and politically charged themes of freedom and individual expression. By examining Westkunst's historiographical stakes in light of the Cold War division of Europe, the show is revealed as paradigmatic of the ways in which hegemonic concepts of 'Western art' and the accompanying processes of othering were fashioned in the art world. In this collective volume, Westkunst's universalising claims are scrutinised by focusing on the artistic tendencies exhibited; on exhibitionary discourses and practices of decontextualisation, comparison, and appropriation; on the alleged realisation of the values of progress, freedom, and autonomy; on the enacted conceptions of temporality and the architectural devices of narrativisation; on the exhibition's blind spots and exclusions and the critical reactions it elicited. This analytic output makes fresh use of the archival materials, which are neither centralised nor systematized, with significant excerpts republished throughout the book. Seen through the lens of exhibition history, this revisiting of Westkunst sheds light on a broader trend of cultural conservatism that was gaining strength in the 1980s, just before the end of the Cold War, and on the start of new form of globalisation.
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Histoire de la pop : Quand la culture jeune dépasse les frontières (années 1950-1960)
Bodo Mrozek
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Bibliothèque Allemande
- 25 Janvier 2024
- 9782735128235
Dans les années 1950 et 1960, la culture jeune connaît un véritable bouleversement qui ébranle et scandalise la société. De nouveaux codes et pratiques de musique ou de mode ainsi que de nouveaux comportements voient le jour, déclenchant des débats houleux sur la prétendue délinquance juvénile. La culture pop naissante est interprétée comme une dégradation des moeurs et de la morale, et il convient donc de discipliner cette jeunesse " déviante " par la censure, les interdictions et les sanctions. Parallèlement, des modes de dévalorisation racistes, genrés ou reposant sur des préjugés sociaux imprègnent profondément l'opposition à ce changement culturel.Bodo Mrozek retrace l'évolution esthétique de 1956 à 1966 et son influence durable sur la culture moderne des jeunes et la culture populaire. Il s'intéresse aux acteurs, aux pratiques et surtout à la réception de cette nouvelle culture pop et aux discours qu'elle a suscités, en s'appuyant sur une large bibliographie et un travail impressionnant de recherche dans un grand nombre d'archives, notamment policières et judiciaires, mais aussi sur des références musicales ou cinématographiques, des photographies et des coupures de presse. Dans une perspective transnationale, il étudie plus particulièrement la France, les deux Allemagnes, le Royaume-Uni et les États-Unis, et révèle les bouleversements politiques ainsi que les interdépendances culturelles. Son analyse met en évidence les continuités dans les débats sur la violence des jeunes, sur les comportements déviants et la morale publique, sur la rupture des tabous musicaux et culturels.
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Compagnons de lutte. avant-garde et critique d'art en Espagne pendant le franquisme
Paula Barreiro Lopez
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 26 Janvier 2023
- 9782735128709
Dans l'Espagne de la période du franquisme tardif (1957-1975), les critiques d'art jouent un rôle essentiel dans les mouvements de contestation qui agitent une société alors en pleine mutation. Contre la doctrine d'un art moderne autonome et dépolitisé prônée par le régime, ils produisent des discours esthétiques qui rétablissent le lien entre culture et politique et poussent les artistes à inscrire leurs oeuvres dans le cadre élargi des questions éthiques et des enjeux sociaux.
En s'appuyant sur l'étude d'archives restées jusqu'ici inexplorées et sur des entretiens inédits, Compagnons de lutte s'attache au travail de sept critiques et historiens de l'art espagnols qui ont pris une part extraordinairement active à la vie intellectuelle et politique de leur pays dans les années 1960 : ils publient, éditent, traduisent, ils organisent des expositions, des débats, des rencontres. Grâce à la complicité nouée avec Giulio Carlo Argan et Umberto Eco en Italie, Adolfo Sánchez Vázquez au Mexique, Gérald Gassiot-Talabot, Pierre Restany et le Salon de la Jeune Peinture à Paris, ils s'approprient les théories et les tendances artistiques circulant à ce moment-là en Europe et sur le continent américain, en les adaptant avec succès aux conditions spécifiques de l'Espagne franquiste.
Fruit d'une approche interdisciplinaire et transnationale des réseaux artistiques du Sud global, l'ouvrage de Paula Barreiro López révèle un pan longtemps négligé par l'historiographie de l'art européen, en éclairant le fonctionnement de l'avant-garde espagnole dans les dernières années de la dictature, sa diffusion et sa réception critique dans les milieux culturels de gauche à l'époque de la guerre froide. -
Création plastique d'Haïti : art et culture visuelle en colonie et postcolonie
Carlo A. Celius
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Colonisation, Haïti, Histoire De L'Art, Postcolonial
- 25 Mai 2023
- 9782735128648
Ce livre étudie l'univers de la création plastique d'Haïti dans la durée, depuis l'arrivée, en 1492, des premiers conquérants espagnols sur ce territoire, tiers occidental de l'île qu'ils avaient rebaptisée Hispaniola. Pour mener son enquête, Carlo A. Célius interroge, déborde et renverse les discours et les représentations énoncés depuis l'Europe occidentale, qui ont, en continu, qualifié et classé toute création artistique non européenne à l'aide de critères propres au domaine des beaux-arts.
L'histoire des modes de figuration proposée ici est aussi celle de l'accaparement, de l'exploitation et de la transformation d'un territoire, une histoire de migrations, de sujétion et d'extermination de populations. C'est une histoire de luttes, de libération et de reconfiguration sociétale ; une histoire des images et des imaginaires, de leurs échanges et de leurs confrontations.
Dans cette enquête historique au long cours, qui emprunte tour à tour à l'histoire de l'art, à l'esthétique, à l'anthropologie et à la sociologie, l'auteur nous propose une approche plurielle de la figuration en colonie et postcolonie qui, au-delà des seuls beaux-arts, prend en compte l'ensemble de la culture visuelle. Du portrait aux dessins rituels du vodou et à l'iconographie catholique, des illustrations publiées dans la presse aux marques de scarification sur le corps des captifs africains réduits en esclavage, il met en lumière la complexité et les enjeux du visuel, les conflits qu'il génère, les phénomènes d'appropriation et de réappropriation.
Carlo A. Célius démontre comment a pu s'édifier une hégémonie des beaux-arts dans un tel contexte et comment, à un moment donné, celle-ci a été ébranlée.
Cet ouvrage revisite la notion d'art : il historicise les échelles de valeurs qui la constituent et les dynamiques sociales, politiques et culturelles à partir desquelles elle évolue. À l'aide d'un cadre conceptuel renouvelé, les lectrices et lecteurs pourront (re)découvrir les principales caractéristiques des courants artistiques du xxe siècle haïtien et apprécier quelques traits distinctifs de la nouvelle scène. -
L'accord parfait : dans les coulisses des orchestres de musique classique
Delphine Blanc
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 8 Juin 2022
- 9782735128853
- Ah, vous êtes musicienne ? Vous jouez quoi ? - De l'alto. - Ah... et vous jouez dans un orchestre ? - Euh... disons que je joue plutôt dans « des » orchestres. Delphine Blanc, docteure en sociologie et altiste, a souvent ce type d'échanges qu'elle fait immanquablement suivre de quelques explications permettant d'éclairer son interlocuteur sur sa profession de musicienne. Si certains musiciens jouent en effet dans le même orchestre durant toute leur carrière, on ignore souvent que d'autres, au contraire, se produisent rarement deux semaines de suite dans le même. Il n'existe d'ailleurs pas un seul type d'orchestre, mais plusieurs, répondant chacun à des modèles économiques, sociaux ou artistiques différents. Ces formations sont, de plus, composées de musiciens, mais pas seulement. Il faut compter tous ceux qui travaillent en coulisse : administrateurs et régisseurs, notamment. Entre ces métiers et ces parcours si divers, les usages et les relations de pouvoir sont très variables. Elles donnent naissance à des collectifs aux visages multiples, objets d'études de ce livre qui, s'appuyant sur de nombreux témoignages d'acteurs de la profession, offre une immersion passionnante dans un monde complexe et donnant encore lieu à de nombreux préjugés, tout en répondant à un grand nombre de questions souvent sans réponses auparavant. Ainsi, comment l'organisation de ces orchestres pèse-t-elle sur les comportements individuels ? L'engagement contractuel influence-t-il l'engagement artistique et faut-il, pour être un « vrai » musicien, perpétuer l'idée d'une bohème romantique où n'est artiste que celui qui accepte le risque et l'incertitude ? Cet ouvrage propose d'entrer, au-delà de la scène et des instrumentistes, dans les coulisses et les bureaux des orchestres de musique classique.
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Cahiers thématiques n.22 : Réinventer le rural ? Le périmétropolitain en projet
Collectif
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Cahiers Thematiques
- 11 Février 2025
- 9782905865175
En postulant la construction du rural comme catégorie spatiale problèmatique, ce numéro des Cahiers thématiques explore la pertinence sémantique et la consistance spatiale de la notion de "périmétropolitain". Apparue depuis quelques années, elle interroge la ruralité dans son rapport avec les centralités urbaines et périurbaines en dépassant les logiques d'influence ou de domination traduites spatialement par des facteurs de densité et de distance qui tendent à simplifier la relation ville/campagne.
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L'ascension de Charles Le Brun ; liens sociaux et production artistique
Bénédicte Gady
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 13 Janvier 2011
- 9782735111695
Comment Charles Le Brun devint-il premier peintre de Louis XIV ? Tirant profit de la découverte de nouvelles oeuvres peintes, dessinées et gravées, de nombreux documents d'archives inédits et d'une lecture critique des sources, cet ouvrage reconsidère l'ascension du peintre en articulant réseau social et création artistique. Issu d'un milieu familial modeste, mais lié au monde de l'écriture et à celui de la gravure pour lequel il produisit ses premières oeuvres, Le Brun n'était pas un héritier. Mais il fut assurément une " créature ", au sens du XVIIe siècle : la protection du chancelier Séguier lui permit d'accéder à des commandes prestigieuses, du cardinal de Richelieu comme plus tard du roi, de fréquenter un milieu de lettrés, de partir à Rome en compagnie de Nicolas Poussin, ou encore de consolider les fondements de l'Académie royale de peinture et de sculpture. A la tête de chantiers de décoration à Paris et à Vaux-le-Vicomte, Le Brun sollicita de nombreux collaborateurs avec lesquels il entretint des liens juridiques, artistiques et sociaux dont l'analyse éclaire les modes de production au Grand Siècle et invite à remettre en cause la conception actuelle de la notion d' "atelier ".
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Peindre contre le crime : De la justice selon Pierre-Paul Prud'hon
Thomas Kirchner, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 19 Novembre 2020
- 9782735127078
Peint en 1808 pour une salle d'audience du Palais de Justice de Paris, le tableau de Pierre-Paul Prud'hon La Justice et la Vengeance divine poursuivant le Crime a toujours été considéré comme un chef-d'oeuvre du romantisme français, mais rarement étudié sous l'angle de l'histoire du droit pénal. Pourtant, les débats contemporains autour de la question du libre arbitre jouèrent un rôle fondamental dans le choix de son iconographie. Selon la conception invoquée par Prud'hon, l'homme agissant librement est pleinement responsable de ses actes, y compris de ses crimes, responsabilité qui confère au législateur le droit moral de fixer des sanctions, même sévères. Les réflexions d'Emmanuel Kant revêtent dans ce contexte une importance majeure. Prud'hon en eut probablement connaissance par l'intermédiaire du commanditaire du tableau, le préfet du département de la Seine Nicolas-Thérèse-Benoît Frochot, auquel est attribuée ici la paternité du programme iconographique. À travers la présente monographie, Thomas Kirchner montre combien cette célèbre peinture est l'exact reflet des discussions juridiques et philosophiques qui animèrent la France révolutionnaire, et donnèrent naissance au nouveau Code pénal et à un nouveau Code d'instruction criminelle.
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Crises de l'image religieuse/Krisen religioser Kunst : De Nicée II à Vatican II
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 17 Mars 2000
- 9782735107674
Treize auteurs - historiens, historiens de l'art et théologiens - explorent dans ce livre, à l'aide d'études de cas et d'exposés synthétiques (en langue française et allemande), les multiples crises auxquelles l'image, puis l'art religieux ont été confrontés dans l'Occident chrétien, du haut Moyen Âge aux années 1960. Attentifs à la fois aux continuités, aux récurrences, aux évolutions et aux ruptures, ils tracent l'histoire des relations entre religion, image et art, ainsi que celle des formes successives de leur critique, théologique ou esthétique. Leurs analyses éclairent les termes et la formation d'une question qui, à l'ère de la mondialisation des échanges et de l'image virtuelle, n'a rien perdu de son actualité.
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Études pour un portrait de Van Gogh par Francis Bacon
Jurgen Schilling, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 2 Juillet 2005
- 9782735110728
Entre 1956 et 1957, Francis Bacon peint une série de huit toiles qui a pour sujet Vincent Van Gogh. Depuis leur présentation à la Hanover Gallery en mars 1957, ces études pour un portrait de Van Gogh ont engendré de nombreuses observations, mais elles n'ont jamais été analysées dans leur ensemble et l'histoire de leur genèse n'a pas fait l'objet d'une attention particulière. L'essai propose une étude approfondie de ces huit toiles en s'appuyant sur l'analyse de leur mode de réalisation et sur la place qu'elles tiennent au sein de l'oeuvre de Bacon. L'auteur y met en valeur le rôle charnière que joue cette série dans la peinture de Francis Bacon et souligne le rôle catalyseur de Vincent Van Gogh comme personnage emblématique pour la scène artistique londonienne des années 1950.
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L' Art comme expérience : les 3 Stoppages étalon de Marcel Duchamp
Herbert Molderings, Anne-Marie Geyer, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 1 Septembre 2007
- 9782735111480
Les 3 Stoppages étalon de 1913-1914 sont l'oeuvre fondatrice de l'esthétique de Marcel Duchamp, au centre de laquelle se situent l'individu et le hasard. Leur genèse concrète et leur statut dans l'oeuvre duchampienne recèlent encore bien des énigmes que l'auteur se propose de percer par une minutieuse analyse. Avec cet «ouvrage autour des trois fils» s'amorce dans l'oeuvre de Duchamp un glissement de la peinture aux méthodes de l'expérience artistique parascientifique. Dès ce moment, chacune de ses actions artistiques a pour but de saper le primat de la pensée scientifique dans la société moderne. Les outils intellectuels de son esthétique sont l'humour et l'ironie, son modèle est la «pataphysique» d'Alfred Jarry. Dans l'univers de la pensée duchampienne où il n'y a plus de certitudes absolues ni de vérités, le seul point d'ancrage est l'individu, d'où la fascination de l'artiste pour les thèses individualistes radicales du philosophe allemand Max Stirner dont la pensée enflamme l'avant-garde anarchiste parisienne, et en particulier les adeptes du groupe autour de L'action d'art. Duchamp partage non seulement leur individualisme radical mais aussi l'idée que la vocation de toute activité artistique n'est pas de créer des oeuvres d'art mais de faire de sa vie une oeuvre.
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L'évidence photographique ; la conception positiviste de la photographie en question
Herbert Moldering, Gregor Wedekind
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Passages-Passagen
- 1 Octobre 2009
- 9782735112234
Depuis ses débuts, la photographie a été l'objet d deux discours rivaux.
D'un côté, il y avait une conception positiviste de la photographie qui s'est élaborée dans le contexte du triomphe de la science dans la seconde moitié du XIXe siècle, et qui reconnaissait à l'image photographique une évidence tenant au fait qu'elle était supposée être un empreinte, une trace de la nature elle-même. Contre l'évidence de l'image comme enregistrement mécanique d'un événement naturel ou historique s'est développé, de l'autre côté, un discours artistique et esthétique qui reflétait la vérité subjective et assez souvent trompeuse de l'image photographique et qui culminera dans la fameuse sentence Rodin : " C'est l'artiste qui est véridique et c'est la photographie qui est menteuse.
" Les contributions du présent volume analysent le caractère construit du concept d'évidence photographique à l'exemple d'oeuvres et de faits concrets tirés pour la plupart de l'histoire de la photographie allemande et française de 1839 à nos jours. De la compétition entre la peinture, la gravure et la photographie dans le domaine des premiers reportages, à l'emploi de la photographie comme instrument d'examen dans la psychiatrie du XIXe siècle, des photo-épigrammes " de Bertolt Brecht aux réflexions poétiques sur la fonction mnémonique de l'image dans les Photos / Textes de Jochen Gerz, de la subversion de l'évidence photographique opérée par les surréalistes aux investigations de l'essence de la photographie dans l'art conceptuel des années 1970 en Allemagne et en France. -
QUADERNI : le public de la danse contemporaine
Collectif
- Maison Des Sciences De L'Homme
- Quaderni
- 27 Mars 2014
- 9782735116454
La politique de soutien à la création chorégraphique contemporaine, initiée dans les années 1970 puis poursuivie dans les années 1980 et 1990 avec des moyens financiers accrus, a favorisé la construction d'un monde artistique distinct de celui de la danse académique. Prioritairement axée sur le développement de l'offre des créateurs d'avant-garde, cette politique vise également à combler l'écart entre les oeuvres et l'horizon d'attente des spectateurs. Mais il n'est pas aisé de toucher le plus grand nombre tout en promouvant l'originalité, voire les ruptures esthétiques, et le dossier traite des moyens employés par les pouvoirs publics et les acteurs du monde artistique pour accroître l'ancrage social de ce style chorégraphique. Cet ancrage demeure relativement faible auprès du grand public et il convient à la fois de s'interroger sur les freins limitant l'institutionnalisation des techniques du corps de la danse contemporaine et sur les stratégies qui permettraient de les dépasser, notamment dans les registres de la médiation et de la médiatisation.
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Lessing, la critique et les arts
Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 12 Décembre 2014
- 9782735117352
L'oeuvre de Lessing a connu en France une fortune exceptionnellement précoce, et si elle a été marquée par un certain recul depuis la décennie 1970-1980, les toutes dernières années se signalent par un vif regain d'intérêt. Sans doute, les travaux d'érudition, les essais théologiques et philosophiques, très imbriqués dans les querelles de la seconde moitié du XVIIIe siècle, relèvent-ils d'une archéologie de l'histoire des idées - ils valent à yeux des auteurs comme témoignages mais leur contenu objectif a perdu une bonne part de son intérêt. Il n'en va pas de même de la réflexion critique ni du discours sur l'art. Lessing reconnaît la philologie déterminante et à travers elle, le discours sur l'oeuvre se fait discours sur la démarche rationalisante d'un savoir qui s'édifie dans et par la controverse. L'opposition et le conflit sont posés en condition préalable de l'exposé et c'est elle qui lie les contributions de cet ouvrage sur la poétique et l'esthétique.
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Art-Pouvoir-Discours : La carrière intellectuelle d'André Félibien dans la France de Louis XIV
Stefan Germer, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 19 Mai 2016
- 9782735120635
Stefan Germer a consacré l'un de ses derniers grands ouvrages à l'historiographe et théoricien d'art du Grand Siècle, André Félibien. L'auteur analyse, comment, sous le règne de Louis XIV, Félibien est parvenu à formuler une conception nouvelle de l'art qui marquera la théorie et l'histoire de l'art jusqu'au XIXe siècle. Il montre comment grâce à ses écrits, Félibien a gagné la reconnaissance générale. Il décrit dans le détail sa brillante ascension sociale qui lui a fait accéder aux plus grandes instances politiques et artistiques du royaume, et a fait de lui une figure d'autorité. L'attention portée aux écrits de Félibien - descriptions et récits de fêtes, monuments et décorations - met en perspective leur lien avec la rhétorique monarchique et sa mise en scène. Tous comme les écrits théoriques, jalons de la critique d'art et de l'historiographie, ils participent de la doctrine artistique et académique caractéristique du temps. L'ouvrage de Stefan Germer se distingue particulièrement par l'exposition de sources inédites et ses riches illustrations. Il est une référence incontournable pour la connaissance de la biographie de Félibien et plus encore, il met en évidence la portée durable de ses écrits dans la manière de penser l'histoire de l'art.
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Au-delà des Lumières : La peinture religieuse à la fin de l'Ancien Régime
Martin Schieder, Evelyne Nerlich-Sinnassamy, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 1 Janvier 2016
- 9782735120642
Cet ouvrage vient combler une lacune importante de l'historiographie du XVIIIe siècle français. Si des tableaux d'église ont régulièrement été mis à l'honneur dans les expositions et les études consacrées à l'art de ce siècle, aucune synthèse n'avait été consacrée à la peinture religieuse. L'auteur met en perspective l'évolution des mentalités religieuses, les modifications liturgiques, les débats philosophiques, l'histoire politique et sociale, et la critique d'art pour analyser la crise de la peinture religieuse, perçue dès le XVIIIe siècle comme une « décadence ». Il propose une interprétation fine des contenus et des caractéristiques formelles de la peinture religieuse, à travers laquelle il montre que la peinture sacrée du XVIIIe siècle, loin d'être seulement l'héritière conservatrice de la peinture d'histoire du Grand Siècle, est un domaine de création extrêmement réceptif à tous les bouleversements des Lumières.
À l'appui de nombreux exemples de commandes de décors peints d'églises parisiennes ou de province, du contexte historique et d'une érudition théologique sans faille, Martin Schieder propose ainsi une ambitieuse analyse des changements et permanences dans la peinture sacrée du XVIIIe. -
Reims, la reine des cathédrales : Cité céleste et lieu de mémoire
Willibald Sauerländer, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 24 Avril 2018
- 9782735124183
À l'occasion du 800e anniversaire de la cathédrale Notre-Dame de Reims, Willibald Sauerländer prononçait un éloge que ce livre reprend dans une version revue et augmentée. Il se concentre particulièrement sur le souvenir des pratiques sacrées et des cultes, de la vénération des reliques jusqu'au sacre des rois, qui prêtèrent à la cathédrale une intense vie liturgique dans la France prérévolutionnaire. L'auteur évoque successivement le choeur en tant que métaphore iconographique de la Jérusalem céleste, les statues de saints comme guides vers leurs châsses et leurs reliques, et la cathédrale comme lieu de l'onction et du couronnement des souverains français. Le volume se conclut par un chapitre évoquant les sculptures de la cathédrale et leur lien spirituel avec le rituel du culte et des fêtes qui animaient l'église métropolitaine.
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« Belle comme Vénus » : Le portrait historié entre Grand Siècle et Lumières
Marlen Schneider, Centre Allemand D'Histoire De L'Art / De
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 10 Octobre 2020
- 9782735126590
Vénus, Flore, Hébé ou Diane - autant de divinités antiques qui ont prêté, à partir de la fin du XVIIe siècle en France, leurs attributs et leurs costumes vaporeux, souvent affriolants, à quantité de femmes de l'aristocratie de cour, de la bourgeoisie montante et de la noblesse de robe. L'élite sociale se fait alors peindre en costume mythologique ou historique par des artistes célèbres tels que Nicolas de Largillierre, Hyacinthe Rigaud, François de Troy, Jean-Marc Nattier ou Jean Raoux.
Ces portraits dits « historiés », dans lesquels l'effigie d'une personne vivante s'enrichit d'attributs mythologiques comme dans un tableau d'histoire, sont un genre pictural à part entière. D'abord prérogative masculine adoptée par les grands pour célébrer leurs vertus, il devient vers 1680 l'apanage des modèles féminins : le langage allégorique les pare de qualités à connotation spécifiquement féminine et galante, comme la beauté, la jeunesse, la grâce, qui, bien comprises, pouvaient aussi être un moyen de manier le pouvoir. Dès les années 1740, ces peintures font cependant l'objet de critiques répétées et le genre perd peu à peu sa légitimité à la fin de l'Ancien Régime, avant que ce procédé de distinction aristocratique suscite la méfiance des historiens de l'art, qui n'y verront que l'expression d'un amusement futile de milieux oisifs.
Le présent ouvrage remet à leur juste place ces travestissements : à la fois oeuvre d'art, objet culturel et pratique sociale, le portrait historié est un phénomène de goût révélateur d'une culture de cour en pleine transformation. Marlen Schneider met ici en lumière les fonctions, les propriétés formelles, la réception et la portée historique d'un type de représentation trop longtemps déconsidéré. -
Cahiers thématiques n° 20 : Architectures en série et patrimoine
Bérénice Gaussuin, Philippe Gros, Dorian Bianco, Caroline Bauer, Sophie Paviol, Loup Calosci, Noel Barbe, Giulia Marino, Marc-Allan Wery, Jade Berger, Gilles Maury, Salma Gharbi, Alexandrina Striffling Marcu, Marie Ferey
- Maison Des Sciences De L'Homme
- 10 Février 2022
- 9782905865151
Depuis plus d'un demi-siècle, le rapport de notre société aux objets du passé a évolué. La notion de patrimoine s'est élargie, s'ouvrant à de nouveaux programmes, de nouvelles formes, de nouvelles temporalités. Passant de l'exceptionnel et de l'unique à l'ordinaire et à la quantité, la construction du fonds destiné à la jouissance d'une communauté élargie nécessite d'être examinée à l'aune de nouveaux critères. L'architecture en série implique la présence de caractéristiques communes, mais aussi de possibles variations, adaptations et évolutions dans les temps courts ou longs. Pouvant être interprétée comme une suite conçue comme telle dès son origine ou comme un ensemble rassemblé a posteriori, par son unité territoriale, programmatique, technique ou formelle, la série impose à l'historien d'interroger sa genèse, son existence, sa reconnaissance, sa sauvegarde, sa conservation et sa protection. Les contributions de cette livraison des Cahiers thématiques sont l'oeuvre de vingt-six auteurs, architectes, chercheurs en sciences humaines confirmés ou doctorants, issus du monde académique ou directement impliqués dans les processus de patrimonialisation officielle, institutionnelle ou spontanée. Elles explorent la grande diversité de la série, du petit nombre à la très grande échelle, du développement local aux multiplications (extra) territoriales, des réalisations dans une courte durée à des productions sur des décennies. Ces contributions nous permettent surtout de comprendre les ressorts de l'existence de la série, dans toutes ces variations entre l'absence de considération et l'irrémédiable processus de patrimonialisation.
