Thames And Hudson

  • Incarné notamment par picasso et braque, le cubisme qui s'épanouit en france entre 1907 et 1914 est l'un des mouvements artistiques déterminants du xxe siècle.
    Il a non seulement bouleversé la peinture, la sculpture et la photographie, mais aussi marqué de son empreinte l'architecture et tous les autres champs de création, du mobilier à la mode en passant par les objets du quotidien. le présent ouvrage retrace l'influence du cubisme sur la culture de son époque et sur celle qui suivra, mais démontre également à quel point il fut lui-même conditionné par les profonds changements esthétiques, philosophiques, politiques et sociétaux que connaissait la france au début du xxe siècle : le bergsonisme, les nouvelles avancées scientifiques ou encore la montée du nationalisme et du féminisme.
    Abondamment documenté et s'appuyant sur les toutes dernières connaissances et analyses sur le sujet, cet ouvrage resitue le cubisme dans une perspective plus large que celle de la seule sphère esthétique, révélant ainsi son importance majeure dans l'histoire.

  • Après les ouvrages consacrés à la sculpture grecque des périodes archaïque et classique, john boardman s'attache dans le présent volume à l'étude du second classicisme, période allant du ive siècle avant j.
    -c. au règne d'alexandre le grand. l'auteur examine les innovations propres à cette époque, notamment le nu féminin et le portrait, décrit avec minutie de nombreux monuments majeurs, dont le célèbre mausolée d'halicarnasse, et analyse les oeuvres de très grands artistes comme praxitèle ou lysippe, dont l'influence sur les générations suivantes fut immense. ce volume présente également la sculpture grecque des colonies d'italie et de sicile et les oeuvres destinées aux souverains non grecs d'orient.
    Enfin, le dernier chapitre insiste sur le rôle essentiel de la sculpture grecque dans le développement du goût occidental jusqu'à nos jours.

  • Lorsque, au milieu des années 1990, l'utilisation d'internet en tant que réseau mondial de communication de masse se généralisa, les artistes perçurent immédiatement son immense potentiel d'innovation créative.
    Cet ouvrage présente la grande diversité des formes que peut prendre l'art internet et examine les outils utilisés pour sa création tout en s'attachant à décrire le contexte culturel et l'importance historique des oeuvres. e-mail art, software art, sites web et autres projets qui brouillent les frontières entre l'art et des domaines tels que le design, le développement produits, l'activisme politique et la communication sont tour à tour analysés par l'auteur.
    L'art internet est l'un des tout premiers ouvrages à décrire comment les artistes ont utilisé les technologies en ligne pour créer des oeuvres d'un genre nouveau, capables de dialoguer à la fois avec l'histoire de l'art et des disciplines habituellement considérées comme extérieures à la sphère artistique. tout au long de cette étude abondamment illustrée, l'auteur cite les propos d'artistes, de conservateurs et de critiques qui tous nous offrent une perspective nouvelle et riche sur le sujet.
    Un glossaire et une chronologie aident le lecteur à identifier rapidement les oeuvres, événements et développements technologiques majeurs grâce auxquels l'art est véritablement entré dans le xxie siècle.

  • Mûrement réfléchi ou purement improvisé, géométrique ou lyrique, monochrome ou saturé de couleurs, l'art abstrait n'a cessé, depuis le début du siècle, d'étonner, de scandaliser, de fasciner.
    Toujours attentive au contexte historique et culturel, anna moszynska retrace la genèse de l'abstraction et s'attache à décrire les multiples évolutions de cette esthétique du jeu des formes, des couleurs, du mouvement et de la texture. en partant de la déconstruction de la figure opérée dans les années 1910 par les cubistes et, à la même époque, des travaux précurseurs de kandinsky, malevitch ou mondrian, l'auteur analyse les contributions des constructivistes russes, du groupe de stijl et des artistes du bauhaus, avant de considérer les origines de l'expressionnisme abstrait américain.
    Les oeuvres d'artistes " post-painterly ", op, cinétiques et minimalistes font l'objet d'un dernier chapitre dont la conclusion est consacrée au neo-geo, mouvement qui s'opposa à la réémergence, dans les années 1980, de l'art figuratif critique d'art, anna moszynska enseigne l'art contemporain au sothebys institute de londres et a occupé les fonctions de coordînatrice d'exposition pour le arts council of great britain.

  • Si les histoires de l'art du xxe siècle tendent pour la plupart à minimiser la présence aussi persistante que puissante de la peinture réaliste, le présent ouvrage première étude critique détaillée jamais publiée sur le sujet - montre à quel point le réalisme a marqué la peinture du xxe siècle.
    La signification du mot réalisme est multiple, notamment parce qu'il reflète l'extrême diversité des pratiques artistiques de ce siècle. l'étude de brendan prendeville permet au lecteur d'identifier ainsi les caractères propres au réalisme dans des contextes historiques, politiques et artistiques pourtant très divers. il analyse les principales catégories de peintures auxquelles le terme fut appliqué - réalisme social et hyperréalisme en particulier -, tout en gardant à l'esprit qu'une classification trop tranchée risquerait d'amener à sous-estimer l'empreinte plus profonde que le réalisme a laissé dans la peinture du xxe siècle.
    De eakins, bellows et hopper à vuillard, bonnard, balthus et morandi, de schiele à lucian freud en passant par david hockney, l'auteur dresse un panorama lumineux de la peinture au xxe siècle et montre comment l'influence du modernisme, tout comme les conflits politiques et l'émergence des nouveaux médias, ont pu modifier et renouveler la tradition occidentale du réalisme pictural.

  • Le mouvement arts & crafts exerça une influence prépondérante sur les arts décoratifs britanniques, américains et européens de la fin du xixe siècle, dans des domaines aussi divers que l'architecture, le mobilier, la céramique, la ferronnerie, le textile ou l'édition.
    Si ce mouvement regroupa diverses formes d'expression, les principaux architectes, artistes et artisans qui l'animèrent - tels que william morris et edwyn lutyens en grande-bretagne, frank lloyd wright et gustav stickley aux etats-unis, josef hoffmann en autriche et eliel saarinen en finlande - se firent tous les défenseurs d'une conception profondément morale de la création et de l'emploi de matériaux naturels en réaction au développement de l'ère industrielle.
    Leurs oeuvres, tant dans le domaine architectural que décoratif, ont participé à la définition actuelle du " design ".

  • « Les nouvelles technologies, la vidéo, le numérique attestent de la profonde mutation dans l'art contemporain de la fin des années 80. Cet ouvrage est un excellent cours de rattrapage pour amateur distrait ou débordé. » Art Press « Ce livre commente de manière très claire l'avènement de l'image numérique. » L'oeil « Ouvrage extrêmement documenté, richement illustré, avec un texte pédagogique ni scolaire ni abscons. Une vraie réussite. » Max « Première étude consacrée à ce nouveau champ artistique, cet ouvrage s'organise autour de quatre grands domaines médiatiques : l'art vidéo, les installations vidéo, les performances et l'art numérique. » Artension

  • Qu'il s'agisse de l'art minimaliste, conceptuel, de l'arte povera, de l'influence de joseph beuys, du néo-expressionnisme, du néo-conceptualisme ou du post-modernisme, aucun courant récent n'est absent du panorama de l'histoire de l'art de la seconde moitié du xxe siècle que dresse edward lucie-smith.
    Aux mouvements connus, il ajoute des oeuvres importantes et singulières, jusque-là considérées comme " périphériques " : celles, entre autres, des artistes afro-américains, ainsi que des mouvements régionaux aux etats-unis. de même sont présentées et analysées les nouvelles tendances de l'art latino-américain, russe, japonais, chinois, coréen, africain, caraïbe et aborigène. une bibliographie exhaustive ainsi qu'une chronologie raisonnée des mouvements clés de 1940 à nos jours achèvent de faire de ce livre le guide complet des questions, concepts et protagonistes de l'art de ces cinquante dernières années.

  • Les technologies numériques ont révolutionné la production et la réception de l'art.
    Non seulement les moyens d'expression traditionnels que sont la gravure, la peinture, la sculpture ou la photographie ont été profondément transformés par l'avènement du numérique mais d'autres formes radicalement nouvelles ont également vu le jour ; c'est le cas du net art, du software art, des installations numériques ou encore des manipulations de la réalité virtuelle, autant de pratiques désormais reconnues et soutenues par les plus grands musées, institutions et collectionneurs privés du monde entier.
    Dans cet ouvrage, christiane paul s'attache à décrire l'évolution de l'art numérique depuis son apparition dans les années 1980 et propose des pistes quant à son avenir. elle distingue les artistes qui utilisent le numérique comme outil pour créer des formes traditionnelles de ceux qui l'envisagent comme un médium à part entière, qu'ils manipulent pour produire des formes d'art inédites ; elle dresse, ce faisant, un panorama pertinent des oeuvres et des artistes clés du numérique.
    Les problématiques passionnantes de la collection, de la présentation et de la conservation des oeuvres numériques sont analysées, tout comme les thèmes propres à l'art numérique : l'interaction, la vie et l'intelligence artificielles, le militantisme social et politique, les réseaux et la téléprésence.

  • De watteau à david, de greuze à hogarth, de tiepolo à chardin, le xviiie siècle est l'époque de tous les contrastes et de tous les paradoxes.
    Une conception de l'homme s'y dissipe ; une autre s'y profile. " anciens idéaux, anciens régimes, anciens principes et anciennes formes d'art sont balayés - écrit michael levey - par la fumée de la bataille qui ne se dissipera qu'après waterloo. " introduction à l'étude d'une peinture qui va du frivole au cauchemar, affirme les puissances de la raison avant de constater ses limites, l'essai de michael levey dresse, d'une manière claire et précise, aussi élégante que le nécessite son sujet, le bilan d'une époque dont nous sommes directement tributaires et que ponctue, emblème brutal et flamboyant, concentrant toutes les tensions de la période, l'oeuvre de goya.

  • Présentation du livre Avant que l'on ne formule les théorèmes éblouissants de la psychanalyse, l'oeuvre du Norvégien Edvard Munch (1863-1944) portait déjà au grand jour - et avec quelle force - les conflits intérieurs, les déchirements de l'homme moderne.

    Figure de proue du mouvement d'avant-garde qu'était alors l'expressionnisme, Munch trouva très vite un lieu de refuge dans la bohème d'Oslo et de Berlin, villes où son oeuvre eut par ailleurs à souffrir de réactions d'intolérance, d'incompréhension et de rejet. Il lui fallut attendre le tout début du XXe siècle pour se voir reconnu par le public averti et être finalement considéré comme l'un des artistes majeurs de la période. Reconnaissance entérinée par les générations ultérieures et par notre propre modernité, pour laquelle des oeuvres telles que Le Cri sont devenues comme autant d'emblèmes ou d'images clés.

    L'étude passionnante de J. P. Hodin, qui connut Munch personnellement, s'attache à restituer à la fois toute la complexité du personnage et le contexte de la société scandinave qu'il dut affronter.

    Présentation de l'auteur J. P. Hodin a consacré de nombreux ouvrages aux débuts de l'art moderne et à la peinture contemporaine.

  • Le plus souvent considéré comme une forme d'art secondaire, un pâle écho de la perfection grecque - qui fut effectivement sa référence constante -, l'art romain a longtemps été l'objet d'un préjugé défavorable.
    Art "bourgeois", reflet d'une société prosaïque, il aurait manqué de cette légèreté nécessaire à l'accomplissement de tout grand art. dans son ouvrage devenu classique, sir mortimer wheeler montre pourtant quelle fut la logique profonde de cette culture, son originalité, sa réussite et combien l'art romain oscilla entre la perpétuation d'un académisme achevé, la répétition des formes parfaites, héritées de l'art hellénistique, et l'invention d'un langage nouveau, plus rudimentaire en apparence.
    S'attachant au cours de son enquête à analyser l'art du portrait comme celui de la mosaïque, de la peinture à fresque comme de la nature morte, mortimer wheeler cherche avant tout à démontrer que l'art romain s'organisa autour d'une vision totalement nouvelle de l'architecture, du décor intérieur et d'un urbanisme précurseur de celui de la ville moderne.

  • Aucun programme théorique, mais un inexplicable désir de saisir la réalité et de maîtriser la sensation, tout en en donnant l'expression la plus pure.
    Tel était le mot d'ordre de die brücke - et de la sensibilité expressionniste - selon l'un de ses adeptes, karl schmidt-rottluff. l'expressionnisme allemand, qui vint ébranler l'académisme triomphant sous le règne de guillaume ii, entre 1900 et 1914, fut une période d'intense créativité et l'un des temps forts de la modernité, au même titre que le cubisme et le surréalisme. sa définition de l'espace et, surtout, sa conception de la couleur, exercèrent une profonde influence sur l'art européen de la première moitié du siècle.
    Il reste néanmoins largement méconnu. retraçant l'histoire de ce mouvement extraordinairement fécond, wolf-dieter dube en restitue pour le lecteur contemporain toute la violence et les exigences à travers une série de courtes biographies, fondant son propos en particulier sur les témoignages d'époque et les écrits des artistes eux-mêmes.

  • Il a fallu attendre notre siècle pour que l'art baroque, et à plus forte raison le rococo, échappent enfin à la caricature et aux jugements négatifs dont on les avait accablés depuis le xixe siècle.
    Ecrivains, peintres et architectes s'employèrent dans toute l'europe, à partir des années trente, à la réévaluation de cette esthétique de la grâce et de l'excès. des recherches nouvelles, d'innombrables livres et articles conduisirent à la redécouverte d'artistes et de mouvements jusque-là ignorés ou méprisés. de borromini à balthasar neumann, du baroque sud-américain à celui de l'europe centrale, de l'art exquis de lajoue à celui de cuvilliés, on ne compte plus les révélations qui accompagnèrent cette nouvelle appréciation d'une période à la sophistication extrême.
    Germain bazin s'attache ici à restituer le développement de cette sensibilité dans toute l'europe, à en retracer les origines depuis la contre réforme et à en suivre les prolongements jusque dans le néoclassicisme, le goût de l'exotisme et l'art nouveau.

  • L'art de la haute renaissance, dont les principes furent formulés par léonard de vinci dans les années 1490, parvint à son plein épanouissement avec bramante, raphaël et michel-ange à rome, michel-ange encore à florence, et giorgione et titien à venise.
    Après la disparition de ces grands maîtres, aux alentours de 1520 les artistes orphelins éprouvèrent des difficultés à donner une direction à leur travail. les historiens d'art ont appelé cette période le maniérisme, un terme hélas entaché de connotations qui ont nui à l'appréciation de peintres comme le parmesan, le pontormo ou bronzino. loin d'être un art crépusculaire, le maniérisme est une école à part entière, à la fois portée vers l'avenir baroque et le passé gothique, fondée avant tout sur la primauté du dessin (privilégié par rapport à la couleur) et de la "manière", du style.
    Linda murray analyse ici les réalisations artistiques du xvie siècle, en italie, le grand foyer de l'époque, et ailleurs en europe, oú le maniérisme acquit une individualité très forte.

  • La performance a joué un rôle fondamental dans l'histoire de l'art du XXe siècle et connaît, en ce début de XXIe siècle, un essor remarquable. Cette nouvelle édition mise à jour de l'ouvrage pionnier de RoseLee Goldberg rend compte des changements d'ordre technologique, politique et esthétique intervenus dans l'art de la performance ces dernières années ainsi que de l'augmentation impressionnante du nombre d'oeuvres produites dans ce domaine et de lieux qui lui sont consacrés dans le monde. Les oeuvres de Marina Abramovic, Francis Alÿs, Maurizio Cattelan, Paul McCarthy, Pierre Huygue, Matthew Barney, Patty Chang ou encore Allora et Calzadilla sont examinées en regard de celles des premiers praticiens du genre - futuristes, constructivistes, dadaïstes, surréalistes, artistes du Bauhaus - et de grands noms comme Yves Klein, Piero Manzoni, John Cage, Merce Cunningham, Gilbert & George, Dan Graham, Laurie Anderson, Robert Wilson, Pina Bausch ou Alain Platel.
    Moyen depuis toujours pour les artistes de briser les catégories consacrées, d'ouvrir de nouvelles voies et de marquer leur " différence ", la performance est l'une des formes artistiques majeures de notre époque.

  • La photographie connaît depuis quelques années un engouement sans précédent auprès du public, des institutions, de la critique mais aussi des artistes, qui l'intègrent de plus en plus à leur pratique. Elle est ainsi devenue aujourd'hui l'un des principaux médiums de l'art contemporain.
    Ce livre analyse l'infinie variété de sujets abordés et de techniques employées par les artistes, mais il s'attache surtout, et c'est là son originalité, à dresser une typologie de leurs différentes approches. Pour certains artistes, comme Sophie Calle ou Erwin Wurm, la photographie est un moyen d'enregistrer une performance ou une action quotidienne, tandis que pour d'autres, comme Yinka Shonibare ou Gregory Crewdson, elle permet la mise en scène de récits imaginaires. Andreas Gursky, Thomas Demand et Rineke Dijkstra présentent de leur côté une vision froide et en apparence objective du monde extérieur, tandis que Richard Billingham, Nan Goldin ou encore Wolfgang Tillmans donnent à voir des détails intimes de leur vie privée. Entre les mains de Luc Delahaye et d'Allan Sekula, la photographie est un moyen de créer un travail documentaire, alors que pour d'autres encore, comme Cindy Sherman ou Gillian Wearing, l'image photographique devient un réceptacle de valeurs personnelles, sociales et culturelles dans un monde saturé d'images.
    Cette nouvelle édition revue et augmentée propose un nouveau chapitre dans lequel l'auteur s'intéresse aux artistes qui jouent sur les propriétés physiques et matérielles de la photographie, qui utilisent celle-ci comme l'un des nombreux matériaux de leur pratique artistique ou qui expérimentent de nouveaux modes de diffusion. Aux côtés d'artistes établis comme Isa Genzken ou Sherrie Levine, on découvrera des photographes plus jeunes tels que Florian Maier-Aichen, Anne Collier et Walead Beshty.
    Au fil de huit chapitres richement illustrés, Charlotte Cotton livre ainsi une introduction subtile et exigeante à une forme qui domine la scène artistique en ce début de XXIe siècle.

  • La diffusion du bouddhisme en occident et la personnalité du dalaï-lama, chef spirituel en exil d'un peuple opprimé, participent à la popularité sans cesse croissante du tibet.
    L'art de cette mystérieuse région se distingue de celui des autres pays bouddhistes et asiatiques et c'est à l'analyse de ses signes particuliers ainsi qu'à l'étude des liens complexes entre l'art et la dimension spirituelle que se consacre l'auteur. cet ouvrage retrace non seulement l'histoire artistique du tibet mais également son histoire culturelle, de la fondation du royaume à nos jours. une bibliographie, un glossaire ainsi que des cartes et des tableaux accompagnent cette étude richement illustrée et en font un outil précieux de compréhension de la peinture, de la sculpture et de l'architecture tibétaines.

  • Paul gauguin fut l'homme de tous les contrastes : débutant dans la banque, il cultiva ensuite le mythe du peintre maudit, sans jamais cesser de revendiquer sa place au sein de la république des arts.
    Il entretint des rapports difficiles avec la critique, la société, sa famille, dont il vécut séparé, mais aussi avec ses pairs impressionnistes, et jusqu'avec des indépendants comme lui, vincent van gogh entre autres. quoiqu'il fût l'un des peintres les plus originaux de la fin du xixe siècle, l'iconographie de ce livre montre à quel point ses images-clés lui viennent des vieux maîtres ou de la copie de ses contemporains.
    A travers l'étude des revues de l'époque, de sa correspondance nouvellement éditée ou de ses rapports avec les frères van gogh, belinda thomson dévoile ici un personnage installé dans un rapport conflictuel avec le monde. il fallut l'exil, en bretagne puis à tahiti, pour que s'expriment les splendides couleurs prisonnières de sa palette. gauguin pratiqua avec autant de succès la gravure, la sculpture et la céramique, toutes analysées ici.
    Sans oublier l'écriture par laquelle il s'institua critique de son oeuvre : ultime hiatus que cette intellectualisation chez un admirable coloriste dont le plus grand malheur fut sans doute qu'on ne lui permit jamais d'être un autre puvis de chavannes.

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